Resultados da busca

Do jeito que eu estou escrevendo os títulos parece que é em ordem decrescente de qualidade. Não. Vou fazer uma postagem para cada orquestra sinfônica lendária ou excepcional. A maioria entrou nessa lista. Pois bem, como falei no post anterior, sobre a Filarmônica de Berlim, aquela, a Filarmônica de Viena e a do Concertgebouw de Amsterdã costumam se alternar nas 3 primeiras posições. Tem a ver com qualidade, claro, mas também com tradição. São 3 orquestras do século XIX, que estrearam peças dos mais absurdamente famosos compositores e que vêm trabalhando continuamente desde sua fundação. A Orquestra A Concergebouw, ou Orquestra Real do Concertgebouw de Amsterdã (Concertgebouw significa sala de concerto) foi eleita, na referida lista, como a melhor do mundo. O fato é que ela pode não ser a orquestra mais empolgante (sabe ser, quando precisa), mas é uma das mais refinadas. O que isto quer dizer? Seus músicos, individualmente, são virtuoses, cada um deles lapidado para a excelência. E como conjunto, eles sabem soar completamente equilibrados, com um som redondo, em que nenhum instrumento perfura a malha orquestral. Quatro trompas vão soar como um instrumento só, nenhuma delas tocando mais forte que o necessário. As orquestras profissionais de qualidade fazem isso, mas nessa a homogeneidade é especial. Como o nome diz, é a orquestra municipal de Amsterdã, na Holanda e a orquestra oficial do país. Foi fundada em 1888. Em 1988 a rainha Beatriz acrescentou o título "Real". Existem muitos grupos de câmara derivados dela. Um deles é a Orquestra de Câmara do Concertgebouw (não tô gostando de escrever esse nome o tempo todo). Pois bem, seu som é escuro como vinho tinto. São famosas suas madeiras (flautas, oboés, clarinetes e fagotes). De novo, tanto individualmente quanto como conjunto. Nesse momento estou ouvindo e acabei de escutar um acorde arrepiante, numa peça orquestral de Wagner. Uma orquestra normal, quando toca forte demais, especialmente os sopros, desafina. Concertgebouw não tem isso, não. A RCO (Royal Concertgebouw Orchestra, no seu nome internacional) gravou mais de mil discos. Desde a época dos discos de cera até hoje. Isso é muito, mesmo considerando o tempo decorrido. Maestros Na época de sua fundação, era um tal de Willem Kes (1888-1895). Acho que ele não nos deixou gravações. Mas logo depois assume o lendário Willem Mengelberg (1895-1945). Dele temos várias gravações. Trabalhou, como vêem, 50 anos com a orquestra. Durante o seu mandato, grandes regentes eram convidados, como Gustav Mahler, Pierre Monteux, Bruno Walter e Eugen Jochum. Lembro de ter lido que Sergei Rachmaninoff regeu a orquestra. Depois da guerra (1945-1959) o titular era Eduard van Beinum, outro regente espetacular com quem gravaram de tudo. Aí assume o primeiro regente realmente moderno deles: Bernard Haitink, um prodígio holandês que tem hoje 91 anos. Ele ficou até 1988. Com Haitink a orquestra conquistou a fama que tem hoje, realizando inúmeras gravações e se sagrando como uma excelente orquestra de Bruckner e Mahler. Depois de quase 30 anos com Haitink, eles elegem Riccardo Chailly, que fica com a orquestra até 2004, sendo o 1º maestro não holandês a assumir o cargo (é italiano). Chailly era considerado o maior regente vivo por algumas revistas, e até hoje é um dos mais importantes do mundo. Gravou música moderna, fazendo a orquestra sair um pouco do romantismo. Depois dele, assume o letão (leia direito, é letão) Mariss Jansons (2004-2015), um dos meus regentes favoritos pra qualquer repertório. Chailly também é. Jansons morreu em 2019, aos 76 anos e ainda na ativa. Falar nisso, regentes não costumam se aposentar. O Haitink gravou há um ou dois anos com a Filarmônica de Berlim. Desde então, o cargo passou pelas mãos do italiano Daniele Gatti, mas outras coisas passaram pelas mãos dele e ele foi afastado. Mulherengo, possivelmente machista e assediador. O cargo ficou vago desde 2018, quando a orquestra anunciou Iván Fischer para começar em 2021. Esse é um gênio húngaro. Ô terra pra ter músico excepcional! O Concertgebouw A sala de concertos é magnífica. A acústica é considerada uma das melhores do mundo. Foi inaugurada em abril de 1888, sendo levemente mais antiga que a própria orquestra, que estrearia em novembro. O salão principal, esse da foto, abriga 1.974 cidadãos e tem um suntuoso órgão - não são todas as salas de concerto que têm, mas as que têm podem incluir no seu repertório obras como a 3º Sinfonia de Saint-Saëns, Taras Bulba, de Janáček, música sacra, sinfonias de Bruckner e muito mais. A Sala de Recital abriga 437 e é mais adequada a música de câmara e, claro, recitais de piano. Gravações Importantes - Johannes Brahms - Concerto para Piano Nº 1, Concerto para Violino/Robert Schumann - Quarteto com Piano em Mi Bemol - regente: Bernard Haitink, pianista: Emanuel Ax, violinista: Franz Peter Zimmermann - uma versão enérgica dos concertos, que lhes cai muito bem, especialmente ao Nº 1 para Piano (prepare-se para o frenesi). O famoso quarteto de Schumann, que eu não sei o que faz nesse CD, está lindo. - Sergei Rachmaninoff - Sinfonia Nº 2 - regente: Mariss Jansons - uma das sinfonias mais lindas já escritas numa interpretação calorosa, bem diferente da que veremos abaixo. - Sergei Rachmaninoff - Sinfonia Nº 2 - regente: Vladimir Ashkenazy - Ashkenazy nos traz uma 2ª Sinfonia de gelo. Sem imperfeições, sem afetações e sem frescura. Mas mantendo a expressividade. - Hector Berlioz - Sinfonia Fantástica, Abertura "Carnaval Romano" e La Damnation de Faust - regente: Eduard van Beinum - uma das gravações mais importantes do século XX, registra o final da carreira de um dos grandes regentes do nosso tempo. Van Beinum morreria em 1959 regendo a RCO num ensaio da 1ª Sinfonia de Brahms. Repare no 2º movimento da Sinfonia Fantástica, como é impecável o fraseado das cordas.

Consta que o belga César Franck (1822-1890) tinha um talento especial, e, ainda assim, um interesse pequeno em disseminar esse talento. Seu pai, o bancário Nicolas-Joseph Franck, o estimulava a escrever operetas, canções de cunho popular e música de ocasião. Como ele demosntrava talento musical desde cedo, seu pai queria transformá-lo num fenômeno à la Franz Liszt. Ele o colocou no conservatório de Liège bem cedo e, em 1835, mudaram-se para a França, estudar com professores do Paris Conservatoire. No conservatório em si, eles (César e seu irmão Joseph) só puderam ingressar em 1837, quando adquiriram cidadania francesa. E o pai ia colocando os meninos para tocar em público. Quando entrou no conservatório, já no primeiro ano, consagrou-se com o primeiro lugar na sala de piano. Em contraponto, terceiro lugar. Ele começou a estudar órgão com François Benoist em 1840. Apaixonou-se pelo instrumento. Mas em 1842, César pede dispensa do conservatório. Acontece que seu pai, muito interessado no dinheiro e na fama que o jovem podia trazer, o fazia dar concertos com frequência e ainda ensinar. César não aguentou fazer tudo isso e ainda estudar teoria seriamente no conservatório. O projeto do pai e sua insistência em marcar concertos dos irmãos Franck com composições de César-Auguste acabou desgastando sua relação com a crítica de música parisiense, que, embora o considerasse um bom pianista, achava que, como compositor, ele deixava a desejar. O resultado é que tiveram que voltar para a Bélgica em 1842. Mas encontraram um ambiente musical pobre, não tinham concertos regularmente e a crítica era indiferente. Não satisfeito, o pai os faz voltar a uma rotina de concertos e estudos exaustiva em Paris. Mas foi esse período que viu surgirem as primeiras composições maduras de César. Um grupo de Trios com Piano (piano, violino e violoncelo, até hoje muito tocados e gravados). O próprio Liszt, após vê-los, encorajou a carreira do rapaz e até se entusiasmou em tocá-los alguns anos depois. Primeiro movimento do seu Trio com Piano Nº 1, em Fá sustenido menor, Op. 1/1. Sua próxima obra, o oratório Ruth, foi um fracasso de público e crítica, resultando praticamente em demover Franck da ideia de ser compositor. Passou a ser professor particular e acompanhador (de violinistas etc.). Seu pai não ficou feliz. O próprio César ainda estava em dúvidas sobre qual era seu verdadeiro talento. Um competente pianista podia ser respeitado, mas haviam milhares na França. Um compositor de sucesso, isso sim, era uma carreira que poderia levar à imortalidade. Mas aí aconteceram algumas coisas. Franck se apaixonou por uma de suas alunas, Eugénie-Félicité-Caroline Saillot (1824–1918), cujos pais eram da Comédia Francesa e cujo nome de palco era família Desmousseaux. Seu pai (o dele) não aprovou. Quem leu a história até aqui, deve ter sentido que a vida de César só iria mudar quando ele se livrasse do pai. Pois aí está, aconteceu. César mudou-se para a casa dos Desmousseaux e quase rompeu com seu pai. Casou-se com Eugénie em 1848. Enquanto isso, Franck se consolidava como organista, obtendo cargos na Catedral de Notre-Dame-de-Lorrette, na Saint-Jean-Saint-François-au-Marais e outras. Ele desenvolveu uma capacidade ímpar para improviso no instrumento que usa as duas mãos (são três a cinco teclados, um em cima do outro) e os pés (mais um teclado). Ele viveria feliz como organista por anos, compondo pouco e ganhando respeito em Paris pelo manejo do instrumento. Mas em 1872, François Benoist se aposentou do conservatório como professor de órgão, e o substituto foi César Franck. Lá ele era chamado de Père Franck, Pai Franck, e era muito querido pelos alunos. E foram eles que o estimularam a voltar a compor seriamente. Por isso, e também porque tinha mais tempo livre, compôs o Poema Sinfônico Les Éolides (1876). Mais pra frente, em 1879, o Quinteto com Piano. São peças tocadas até hoje, e de uma rara propensão para a melodia e para a complexidade de estrutura. Estava-se descobrindo o César Franck compositor. Nos loucos anos 80 ele comporia Le Chasseur Maudit, poema sinfônico; Les Djinns, para piano e orquestra; Prelúdio, Coral e Fuga, para piano; Variações Sinfônicas, para piano e orquestra; e a ópera Hulda. Tudo com a insistência e encorajamento de seus alunos, dentre os quais Vincent D'Indy, Ernest Chausson e Henri Duparc. Em 1886 ele compôs para o violinista belga Eugene Yasÿe a sua celebérrima Sonata para Violino e Piano. Além de uma beleza etérea, a sonata é em forma cíclica, o que significa que temas dos seus movimentos são recorrentes por toda a obra. Ela se tornou um sucesso, e Ysaÿe a tocaria até os anos 20. A única Sinfonia, em Ré menor, de 1888 foi mal recebida de início, o público queria até se revoltar. Mas é hoje uma das mais importantes sinfonias do repertório. Em 1890 ele envolveu-se em um acidente de automóvel. Ele sobreviveria algum tempo aos ferimentos, mas pararia de tocar e, eventualmente, até de andar. Morreu em 8 de novembro daquele ano, sem saber que seria imortalizado por essas obras de que falei. Franck é um compositor de poucas, mas interessantíssimas obras. Saint-Saëns, por exemplo, escreveu 5 sinfonias e nenhuma delas emplacou como a única de Franck. Escreveu também 5 concertos para piano, e nenhum chega perto da popularidade das Variações Sinfônicas de Franck. Quando se fala em forma cíclica, é o compositor que primeiro vem à mente. É hoje celebrado e tocado como um dos maiores compositores franceses (franco-belgas) de sua época. Gravações importantes - Sinfonia em Ré menor - Com Pierre Monteux regendo a Orquestra Sinfônica de Chicago - Desde o ano em que saiu, 1961, é considerada a gravação padrão da sinfonia, com sua clareza de estrutura e suas passagens fortes bem trabalhadas. - Sonata Para Violino e Piano em Lá menor - Com Arthur Grumiaux ao violino e István Hajdu ao piano - Trata-se de uma gravação cheia de energia e brilho, revelando e aproveitando as belas melodias e variações de humor da sonata. É de 1969. - Quinteto com Piano - Com Marc-André Hamelin (piano), Joshua Bell e Pamela Frank (violinos), Nobuko Imai (viola) e Steven Isserlis (violoncelo) - Uma gravação recente (2020) no Festival Verbier que contém este formidável quinteto, evidenciando toda a eloquência e poder da música. - Prelúdio, Coral e Fuga; Prelúdio, Ária e Final e Variações Sinfônicas - Com Jorge Bolet ao piano e a Orquestra do Concertgebouw regida por Riccardo Chailly - Bolet foi um dos pianistas que melhor defenderam a obra de Franck. Neste disco de 1989 ele toca versões definitivas das três obras. Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 3 "Eroica" - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

O 1º Concerto para Piano, Op. 15 em Ré menor, de Brahms é um titã. E deve ser encarado pelo intérprete como tal. Aqui segue uma lista das gravações que mais me surpreenderam ao longo dos anos. Algumas lêem o concerto com poesia, outras com masculinidade, provando que não existe apenas uma maneira de se interpretar uma obra tão magistral. Qualquer uma que você quiser escutar, estará bem encaminhado. 10. Claudio Arrau, com a Orquestra do Concertgebouw, regida por Bernard Haitink Lançada em 1970, é uma gravação um tanto lânguida, sem muita força. Isso é em parte por causa do som. E não só a engenharia de som, como o próprio som da Concertgebouw (a sala, não a orquestra) que vaza graves demais e carece de uma certa clareza. Mas a interpretação é magnífica, toda em tons pastel. Arrau toca com majestade e Haitink e a orquestra oferecem um acompanhamento preciso. 9. Hélène Grimaud, com a Sinfônica da Rádio Bávara, regidda por Andris Nelsons Grimaud é uma das poucas mulheres a gravar o concerto. E com muita categoria. Está um pouco devagar, para ressaltar a característica épica do concerto. Os climas providos pela orquestra são de arrepiar. É de 2014 e vem com o 2º Concerto, com a Filarmônica de Viena e o mesmo Andris Nelsons. Quando Hélène ataca, depois da longa introdução da orquestra, sabemos que vem uma interpretação sensível e saudável. 8. Krystian Zimerman, com a Filarmônica de Viena, regida por Leonard Bernstein Gravado ao vivo no Musikvereinsaal, em Viena, em 1983, é uma versão bem mais vigorosa. Bernstein está impecável e a técnica de Zimerman nos deixa de queixo caído. A fúria dessa gravação é lendária. Você não encontra mais no Spotify, tendo sido substituída por uma gravação bem menos interessante de Zimerman com a Filarmônica de Berlim regida por Simon Rattle. 7. Stephen Hough, com a Sinfônica da BBC, regida por Andrew Davis Stephen Hough é um pianista sutil, e suas interpretações são sempre claras, cristalinas. Aqui ele faz o concerto lépido, menos monumental do que a versão de Zimerman, mas com muito bom gosto. A Sinfônica da BBC e Andrew Davis estão ótimos. De 1998, foi a primeira versão que conheci, de forma que é como se fosse um padrão para mim. 6. Rudolf Serkin, com a Orquestra de Cleveland, dirigida por George Szell George Szell ainda vai aparecer por aqui nesta lista. Ele, para mim, é ideal para música que seja vigorosa e heróica, além da orquestra, a de Cleveland, ser de uma precisão desconcertante. De 1963, a gravação tem o som estéreo muito bom. E Serkin toca com toda a sua poesia. 5. Leon Fleisher, com a Orquestra de Cleveland, dirigida por George Szell Mesmo sendo de 1958, essa gravação está com um som melhor que a anterior, com o mesmo regente e a mesma orquestra. Aqui é virilidade pura, Szell, a orquestra e Fleisher parecem ter uma conexão especial. As variações de humor são sutis, e o concerto é entregue como uma obra concisa e homogênea. 4. Joseph Moog, com a Deutsche Radio Philharmonie, regida por Nicholas Milton Moog já tinha gravado o Concerto Nº 2 com a mesma orquestra e o mesmo regente. E com o mesmo sucesso. Trata-se de um jovem de extremo talento, sua leitura é, ao mesmo tempo, clara, polida e heróica. Essa gravação de 2020 é a mais recente da lista. Gravar com uma orquestra reduzida foi uma decisão acertada, pois a precisão é bem maior. 3. Clifford Curzon, com a Sinfônica de Londres, regida por George Szell A capa original do LP e a do CD Legendary Performances. A gravação é de 1962 e o som é bom. Mostra um Szell sem a sua Orquestra de Cleveland, o que é bom, pois podemos ver como ele embute a mesma força e precisão na excepcional Sinfônica de Londres. Curzon/Szell é considerada uma das gravações mais importantes do concerto, e ainda é a favorita de muita gente. 2. Emil Gilels, com a Filarmônica de Berlim, dirigida por Eugen Jochum De 1972, esta gravação ficou sendo, na época, o padrão. Jochum era o melhor intérprete de Brahms na época. Ela é um pouquito lenta, mas consegue manter o ar de majestade o tempo todo, sem pestanejar. Os momentos mais misteriosos foram aproveitados ao máximo e a expressividade é assombrosa, tanto do maestro quanto do pianista. No primeiro movimento eles acharam o andamento certo, que coincide com as passagens mais titânicas e com as mais enigmáticas. Quando Gilels entra, já mostra que estão no mesmo estado mental. 1. Nelson Freire, com a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig, dirigida por Riccardo Chailly Nelson freire gravou logo os dois concertos, e de forma magistral, com um dos maiores regentes do nosso tempo, Riccardo Chailly. O 1º é de 2005. Quando foi lançado o CD duplo, já foi um reboliço, muitos tinham certeza de que ali estavam as melhores interpretações dos dois concertos. O tempo passou apenas para nos certificar disso. O som cósmico de Nelson e o acompanhamento de luxo de Chailly e a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig superam Gilels/Jochum por um triz, graças à paleta maior de cores que eles nos proporcionam e aos andamentos ainda mais acertados. Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 3 "Eroica" - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Estava esses dias escutando a música de Franz Liszt e me veio a ideia de fazer essa pequena lista. São obras que ativamente querem assustar, e são muitas, mas eu resolvi colocar 10 aqui. 1. Hector Berlioz (1803-1869) Marcha ao Suplício - da Sinfonia Fantástica Esta obra, de 1830 inclui uma degola - o sujeito, viajando no ópio, está tendo uma, digamos, viagem ruim, e se imagina carregado à forca. Aos 4m29, logo depois do solo de clarinete, é a cabeça caindo. 2. Franz Liszt (1811-1886) Valsa Mephisto Nº 1 Liszt escreveu várias peças aterrorizantes, algumas das quais eu vou incluir aqui. Essa se refere a Mefistófeles, um demônio do folclore alemão. A cena é "A Dança na Pousada da Vila", e descreve uma festa de casamento em que esse demônio e Fausto, um herói famoso da literatura, tomam parte. É de cerca de 1860. 3. Franz Liszt Der Doppelgänger Esta música macabra, baseada num lied homônimo de Schubert descreve um homem que entra na casa onde sua amada viveu e vê alguém se lamentando. Acontece que esse alguém é ele mesmo. Também é de 1860. 4. Franz Liszt Sinfonia Dante Descreve a jornada de Dante pelos infernos e pelo purgatório. De 1857, é uma obra para orquestra e coro, e é aterrorizante. 5. César Franck (1822-1890) O Caçador Amaldiçoado (Le Chasseur Maudit) Esse fantástico Poema Sinfônico de César Franck, de 1888, fala da história de um caçador que zomba dos que o alertam para não caçar num dia de domingo, violando o Sabbath. Logo no começo, ele ousa soar as trompas de caça contra os sinos da igreja. Mas na floresta ele é perseguido por uma voz assombrada que o amaldiçoa a ser preseguido por demônios pela eternidade. 6. Antonin Dvořák (1841-1904) O Pombo Selvagem (The Wild Dove) Outro Poema Sinfônico de um mestre. De 1896. Uma mulher envenena o marido para casar com outro. Todo dia, um pombo põe-se a cantar no túmulo do homem. Aterrorizada, ela se enche de culpa e acaba se matando. 7. Antonin Dvořák The Water Goblin Mais um Poema Sinfônico aterrorizante de Dvořák, também de 1896. Uma mãe sonha que a filha está vestida com um belo vestido e com um colar de lágrimas. Ela pressente algo de ruim e adverte a menina a não ir ao lago. Claro que a menina desobedece e vai lavar roupa no lago. Assim que chega, a ponte onde ela está desaba e ela é capturada pelo goblin traiçoeiro que lá habita. Ele a leva para o fundo do lago e casa com ela à força. Quando nasce o primeiro filho, a moça canta uma canção de ninar, o que irrita o goblin. Ela o acalma e implora para voltar à terra e ver a mãe mais uma vez. Ele concede, mas com três condições: que ela não abrace ninguém; que ela deixe o bebê; e que ela volte na hora dos sinos vespertinos. Quando ela encontra a mãe, esta não deixa que ela volte. O goblin bate à porta na hora marcada e a mãe diz que vá embora. Ele bate novamente e diz que o jantar dele tem que ser feito. Ela novamente o expulsa. Ele torna a bater dizendo que o filho precisa de cuidados. Expulso mais uma vez, o goblin volta para o lago e dá um grito estremecedor. Uma tempestade as faz ficarem abraçadas até que passe. Quando abrem a porta, mãe e filha veem o corpo e a cabeça degolada da criança. 8. Antonin Dvořák A Feiticeira do Meio-Dia (The Noon Witch) Este Poema Sinfônico, também de 1896, tem a história mais terrível. Uma mãe diz pro seu filho que se ele não se comportar ela invocará a Bruxa do Meio-Dia. Claro que ele não se comporta e ela finge fazer a invocação. Mas quando dá meio-dia, a bruxa aparece. Aterrorizada e surpresa, a mãe agarra o menino e se põe a correr pela casa, perseguida pela bruxa. Mais tarde, o pai chega e encontra a mãe desmaiada com o menino morto nos seus braços. Ela mesma o tinha matado esganado, tentando proteger da criatura. 9. Pyotr Tchaikovsky (1840-1893) Sinfonia Nº 6 "Pathètique" Leia mais sobre esta obra aqui. Trata-se de uma provável carta de suicídio de Tchaikovsky, escrita pouco tempo antes de sua morte. Acredita-se que o compositor tenha sido condenado por uma corte de honra a se suicidar. E o tenha feito. A sinfonia não é narrativa, mas é cheia de simbolismos ligados à morte, além do assustador finale, em que a música "vai morrendo". 10. Krzystzof Penderecki (1933-2020) Trenodia Para as Vítimas de Hirochima Leia mais sobre ela aqui. Trenodia é uma canção para os mortos. Como uma elegia. Essa impactante obra, de 1961, para orquestra de cordas, nos faz olhar para o nosso próprio terror. O que nós causamos. Escute e se arrepie. Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Falei ontem do Livro 1 de Prelúdios de Claude Achille Debussy (1862-1918). Pois bem, vamos ao Livro 2, que são mais 12 prelúdios fechando a série usual de 24. Esqueci de mencionar outro compositor que fez uma série de 24 prelúdios sensacionais. Sergei Rachmaninoff (1873-1943). Falo deles em uma postagem dedicada. Falei que a tradição de escrever exatamente esse número de peças remonta a Johann Sebastian Bach (1685-1750), que escreveu duas séries, na verdade. Cada uma contém 24 prelúdios e fugas dedicados a uma tonalidade. Dó maior - Dó menor - Ré bemol maior - Dó sustenido menor e por aí vai. Os de Debussy não seguem essa lógica. É mais como se ele quisesse imprimir um sentimento em cada, no lugar de uma tonalidade. Mas são sentimentos majoritariamente abstratos. Ele repartiu a série em 2 livros de 12 porque se fosse uma só de 24 (eles não são curtos como os de Chopin) ia ficar difícil de digerir num concerto. Na verdade, ia ocupar o recital inteiro. Falar nisso, a apreciação dos dois livros inteiros dura mais de uma hora, então sugiro que pegue de 6 em 6. Os Prelúdios (Livro 2) 1 - Brouillards (Névoa) Um prelúdio excepcional. Você vê a névoa... bem, sendo névoa, e aí umas oitavas duplas de arrepiar. Uma vez eu estava falando dele e alguém me perguntou a qual eu me referia. Fui tentar cantar e foi, obviamente, ridículo. Rimos um bocado. Tenta você! 2 - Feuilles mortes (Folhas Mortas) Aqui o pianista tem que ser criativo, pintar com o pedal, como em outros, só que mais. Muito sensível, frágil como uma bolha de sabão. Quando cresce, parece que para no meio da escada. Lindo. 3 - La puerta del Vino (O Portão do Vinho) Em Granada (Espanha), no Palácio da Alhambra, tem um azulejo que se refere a esse prelúdio, por sua vez dedicado àquele portão onde está o azulejo. É obviamente um dos mais famosos de todo o grupo. Em ritmo de habanera, bem marcado e forte no começo, torna-se mais manso na seção central e termina calmo de novo. 4 - Les fées sont d'exquises danseuses (As Fadas São Dançarinas Maravilhosas) As fadas, né Debussy? Não existia LSD na época, mas tinha uns cogumelos... Brincadeira, na verdade essa alusão é bem típica dele. Eles (os impressionistas) gostavam de seres mitológicos. Essa é uma peça difícil porque tem muito trinado. Trinado é um inferno. 5 - Bruyères (Urze - um tipo de planta ou uma cidade na França) Esse equivale a La fille aux cheveux de lin, do outro livro. Linda, tocante. Aquelas músicas que a sua tia diz: oh, adoro piano... Como La fille, é bem tonal e remete ao Debussy mais jovem. Esse é um dos que o grande pianista ucraniano Vladimir Horowitz gravou. Dizem que tem um vídeo dele dando uma aula, e ele passa 40 minutos pra explicar o pedal num trechinho. 6 - Général Lavine – eccentric (O Excêntrico General Lavine) Também marcado, ritmicamente, é em estilo de Cakewalk, dança americana que daria origem ao Ragtime, que, por sua vez, evoluiria para o Jazz. Tô simplificando muito, porque não foi exatamente assim, não. Mas vale. Também é um prelúdio tonal. Só esclarecendo, os outros não são exatamente atonais, academicamente falando. Mas eu os considero atonais porque não têm tom definido. Não dá pra dizer: essa peça é em mi maior. 7 - La terrasse des audiences du clair de lune (O Terraço das Audiências do Luar) Audiências do Luar, né, Claude? Pois bem. É um prelúdio suave, que lembra o luar banhando alguma água. Também ameaça crescer, às vezes, mas só ameaça. É encantado e encantador. 8 - Ondine (nome de uma náiade, uma espécie de sereia de água doce mitológica) Mais um prelúdio aquático, tema que cai bem em Debussy. Na partitura tem "Scherzando", que significa "brincando", numa tradução bem literal. Brilhante, sem ser muito chamativo. 9 - Hommage à S. Pickwick Esq. P.P.M.P.C. (Homenagem a S. Pickwick) Referência a um personagem da obra de Charles Dieckens "As Aventuras de Pickwick", é bem pianístico. Pena que seja tão curto. 10 - Canope (Vaso Canópico) O vaso canópico é um artesanato egípcio muito antigo. Um vaso que armazenava as vísceras de quem ia ser mumificado e as preservava. É uma música mística, como não poderia deixar de ser. Muito linda. 11 - Les tierces alternées (Terças Alternadas) Dificílimo, esse. Usa a mesma técnica que Villa-Lobos no seu Polichinelo. Debussy tem um Estudo (Étude) para piano com o mesmo nome. Obviamente, ambos tratam de terças em alternância bem rápida. 12 - Feux d'artifice (Fogos de Artifício) Esse é muito usado como peça de exibição pelos mais diversos pianistas. Mesmo os que não gravam muito Debussy. Ele termina com uma peça mais alegre e mais triunfante. Mas, como é Debussy, não há nenhum exagero, e ela mantém o encanto que permeia os dois cadernos de prelúdios. Gravações Importantes Não tem como fugir das interpretações dos mesmos pianistas do Livro 1. Vou repetir aqui com umas poucas alterações, pra você não ter que voltar lá. Walter Gieseking - Dizem que Debussy queria que o piano fosse tocado como se não tivesse martelos, da maneira menos percussiva possível. Pois bem, os críticos concordam que Gieseking atingiu isso. Pra mim o único problema é o som. Por terem sido gravados nos anos 1953-1955, o som ainda tem muito chiado, e eu sinto que não estou conseguindo escutar tudo que é pra eu escutar. Arturo Michelangeli - A minha favorita. Parece que cada gesto, cada inflexão dele deu certo em cada prelúdio. Eu não sei explicar, não é só técnico, parece que se está respirando música. https://open.spotify.com/album/4Wu9QfkAdRN16RxjdiL6ol?si=Lg7e7ZHdSh2-5KwJdFEbZg Claudio Arrau - Impressionante. Arrau tem um som cósmico. Aliás, um não, milhões de sons. O chileno é um dos pianistas mais coloridos que já existiram (pianisticamente, porque ele mesmo era normal). E a gravação é boa. Monique Haas - Excelente versão. Imaginativa, com um perfeito colorido e tecnicamente impecável. Dentre as mais modernas temos: Vladimir Ashkenazy - Enquanto a gravação do livro 1 é moderna, dele aos 80 anos, em 2017, a do livro 2 é dos anos 70 e ao vivo, quando ele tinha 40 anos e estava no auge. Estão, estranhamente, no mesmo CD. Maurizio Pollini - Todo mundo tinha curiosidade de saber como o maior pianista italiano vivo iria tocar esses prelúdios. Ele fez o equilíbrio entre o inspirado e o calculado. Krystian Zimerman - Zimerman é sempre super expressivo. Mas eu digo super mesmo, over. Quando é pra desacelerar, ele desacelera demais; quando é pra crescer, cresce demais etc. Só tem uma coisa. Quando ele acerta é de cair o queixo. Versão para Orquestra A mais famosa versão orquestral, e também a única que eu conheço, foi orquestrada por Colin Matthews e gravada, sobretudo, pela Orquestra Hallé, regida por Mark Elder. As orquestrações são fenomenais. Claro que tem prelúdio que é mais pianístico, mas a maioria se adequou bem à orquestra. Esse disco, da Hallé, é incrível. Eles tocam muito e a maneira com que as peças soam é quase de outro mundo. https://open.spotify.com/album/6hrue8HHPJNA8mZjPvqYTH?si=9Xbe0FUCReC_hKL2UGmEHA Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 3 "Eroica" - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Compreender Claude Debussy (1862-1918) é muito mais complicado do que parece. Também é muito mais simples do que parece. É como fazer uma jornada cheia de labirintos pra chegar num lugar e, só então, perceber que tinha um atalho. Você, caso não conheça de música clássica, vai ouvir sons e vai achá-los mágicos. Daí vai tentar esmiuçar, compreender, dissecar, só pra depois perceber que a música de Debussy foi feita pra escutar. Escutar atentamente, claro. E então deixar-se levar pelas sensações. Aí está o atalho: a música dele é menos técnica e mais pura mágica. Não que ele seja fraco tecnicamente, sua orquestração e escrita para piano, para qualquer instrumentação, de fato, são perfeitas. Era um compositor espetacular, conhecedor das velhas formas e um pianista excepcional - Igor Stravinsky conta que ele e Debussy fizeram uma audição privada da sua Sagração da Primavera numa versão de piano a 4 mãos, com Debussy praticamente lendo à primeira vista. Você só vai entender as intenções desse compositor ao escutá-lo um punhado de vezes. Eu acho que é por isso que as pessoas mais velhas se tornam à música clássica. Elas têm mais paciência. A obra de Debussy é episódica, você tem que apreciar os momentos. Aliás, vamos entender o 1º (e o 2º) Livro de Prelúdios como uma coletânea de contos. É só dividir esses contos em parágrafos: meio caminho andado. Ele foi um dos primeiros compositores modernos, saindo do romantismo. Enquanto que no romantismo as músicas são bem descritivas, ainda que apenas de sentimentos, no modernismo elas tendem a ser mais abstratas. É até interessante que Debussy tenha colocado títulos para cada prelúdio. Mas, na partitura, ele coloca o título no fim. Genial! Você deve ler a peça como se não soubesse do que se trata e, então, descobrir. O que é um prelúdio? Nesse sentido usado por Debussy, trata-se de peças para piano com durações diversas (2 e pouco a quase 8 minutos) e com forma livre. Ou seja, a peça se desenvolve sem "ter que fazer" nada: ao gosto do compositor. Ele os compôs entre 1909 e 1910. Johann Sebastian Bach escreveu O Cravo Bem Temperado, com 24 prelúdios e fugas, cada um em uma das tonalidades existentes. Depois compôs outro livro. Isso abriu precedente para que compositores, famosamente Frédéric Chopin, fizessem seus prelúdios. Chopin fez um livro de 24, respeitando a ideia das 24 tonalidades. Debussy fez 2 livros de 12. Mas ele não fez um para cada tonalidade. Os dele são bem livres. Cada um tem um título, que vem de algum poema (Baudelaire) ou simplesmente de uma alusão. Os Prelúdios (Livro 1) 1 - Danseuses de Delphes (Dançarinos de Delfos) O primeiro prelúdio é uma música vaga, atmosférica. Parece uma água calma que não se deixa perturbar. São, basicamente, acordes, grandes e cheios em sucessão. E, por cima destes, uma sutil melodia. 2 - Voiles (Véus ou Velas - de barcos) É mais sobre o vento que sobre as velas (ou véus, ele quis deixar ambíguo). Com simples terças descendentes, na escala hexatônica, em oposição a outra linha de terças, estas em ascensão, ele cria uma música verdadeiramente flutuante, pairante. Uma nota pedal grave mantém a atmosfera misteriosa da peça. 3 - Le vent dans la plaine (O Vento na Planície) Vento, mais uma vez (e não é a última). Dessa vez ele aparece mais abstrato, numa visão mais enfurecida. 4 - Les sons et les parfums tournent dans l'air du soir (Os Sons e os Perfumes Giram no Ar do Anoitecer) Precisa de muita sensibilidade, o pianista, nesse prelúdio. Porque ele pode soar monótono ou fora da proposta do livro. Mas, se tocado corretamente, é tão fantástico quanto o título. 5 - Les collines d'Anacapri (As Colinas de Anacapri) Uma verdadeira peça para estudantes de piano. Explora a expressividade, técnica e noção de estrutura - ela tem momentos divergentes. É brilhante. 6 - Des pas sur la neige (Passos na Neve) Como você descreveria musicalmente passos na neve? Agora escuta o que Debussy fez. O que ele fez não poderia ser descrito como outra coisa que não passos na neve. Ele é bem lento, traz muitos silêncios. Pra se escutar com muita atenção. 7 - Ce qu'a vu le vent d'ouest (O Que Viu o Vento do Oeste) Mais um de vento, dessa vez uma ventania. É certamente a peça mais difícil do grupo - acordes quebrados, oitavas quebradas, passagens velozes -, a escrita é brilhante. Também é a mais pianística. 8 - La fille aux cheveux de lin (A Menina com Cabelo de Linho) O mais famoso de todos os prelúdios. É muito lindo, tonal, infantil - uma música simples, como as que o compositor fazia no começo de sua carreira. 9 - La sérénade interrompue (A Serenata Interrompida) Faz as vezes de um scherzo, com notas repetidas e uma alusão rítmica a algum tipo de dança. 10 - La cathédrale engloutie (A Catedral Submersa) Essa é muito famosa, também. É completamente descritiva. Fala sobre a lenda de Ys, uma cidade que fica no fundo do mar, e de sua catedral, que, em manhãs claras e de águas transparentes, emerge, tocando música com seu suntuoso órgão. Só pra depois submergir novamente. Ninguém faria música mais arrebatadora. 11 - La danse de Puck (A Dança de Puck) Outra peça com caráter mais leve. Também tem um ritmo forte, não nos acordes, mas na própria melodia. Não sei quem é Puck. 12 - Minstrels (Menestréis) Também é leve, descrevendo os menestréis medievais que levavam uma mistura de música e teatro ao público. Gravações Importantes Debussy gravou alguns em uma técnica de piano roll chamada Welte-Mignon. O pianista grava a sua interpretação, e as dinâmicas, os tempos, os pedais, tudo é transferido para um rolo. E depois eles aplicam essas diretrizes por computador em um piano moderno. É emocionante. Não sei o quão históricas são essas interpretações, mas acho que têm um grande valor. https://open.spotify.com/album/0xd7qUU4QN5HBBkiVO2YYO?si=peiVSbMtSCGApb0Ts0BoTg As gravações "clássicas" de referência são: Walter Gieseking - Dizem que Debussy queria que o piano fosse tocado como se não tivesse martelos, da maneira menos percussiva possível. Pois bem, os críticos concordam que Gieseking atingiu isso. Pra mim o único problema é o som. Por terem sido gravados nos anos 1953-1955, o som ainda tem muito chiado, e eu sinto que não estou conseguindo escutar tudo que é pra eu escutar. Arturo Michelangeli - A minha favorita. Parece que cada gesto, cada inflexão dele deu certo em cada prelúdio. Eu não sei explicar, não é só técnico, parece que se está respirando música. https://open.spotify.com/album/0NJLAserOCKk3HbzQ7Zm15?si=BDIMwOyPSW-UAwobm1ILHw Claudio Arrau - Impressionante. Arrau tem um som cósmico. Aliás, um não, milhões de sons. O chileno é um dos pianistas mais coloridos que já existiram (pianisticamente, porque ele mesmo era normal). E a gravação é boa. Monique Haas - Excelente versão. Imaginativa, com um perfeito colorido e tecnicamente impecável. Dentre as mais modernas temos: Nelson Freire - Nada passa desapercebido pela peneira que é a sensibilidade do Nelson. Ele descobre a hora perfeita de tocar, com a intensidade perfeita... O som também está muito bom. É a gravação moderna mais comentada. Parece mais com Arrau, colorido e imaginativo, do que com Michelangeli, mecânico e preciso, quase matemático. Vladimir Ashkenazy - Uma abordagem sem exageros. Sem sentimentalismos, aliás, bem pragmática. O primeiro prelúdio é rápido como um jato, parece que ele tá com pressa. Mas tem seus momentos, como os prelúdios Nos. 3 e 7, em que ele demonstra sua técnica arrebatadora. A gravação é boa, mas me parece que o piano não é dos melhores. Posso estar enganado. Maurizio Pollini - Todo mundo tinha curiosidade de saber como o maior pianista italiano vivo iria tocar esses prelúdios. Ele fez o equilíbrio entre o inspirado e o calculado. Seu Nº 8 é imbatível. Ficou excelente. Krystian Zimerman - Zimerman é sempre super expressivo. Mas eu digo super mesmo, over. Quando é pra desacelerar, ele desacelera demais; quando é pra crescer, cresce demais etc. Só tem uma coisa. Quando ele acerta é de cair o queixo. Ouçam o prelúdio Nº 10. Além da técnica impecável, ele faz a música soar realmente empolgante. Versão para Orquestra A mais famosa versão orquestral, e também a única que eu conheço, foi orquestrada por Colin Matthews e gravada, sobretudo, pela Orquestra Hallé, regida por Mark Elder. As orquestrações são fenomenais. Claro que tem prelúdio que é mais pianístico, mas a maioria se adequou bem à orquestra. Esse disco, da Hallé, é incrível. Eles tocam muito e a maneira com que as peças soam é quase de outro mundo. https://open.spotify.com/album/6hrue8HHPJNA8mZjPvqYTH?si=9Xbe0FUCReC_hKL2UGmEHA Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 3 "Eroica" - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Essa música pertence à ópera Orfeu e Eurídice, de Christoph Willibald Gluck, de 1762, revisada em 1774. Nessa versão tem um trecho chamado chamado de "Dança dos Espíritos Abençoados", que é para orquestra com flauta dominante. Acontece que o pianista Giovanni Sgambati, muito tempo depois, fez da Dança dos Espíritos uma peça para piano, que ele chamou de "Melodia de Orfeu". É praticamente uma transcrição para piano da linda cantilena da flauta acompanhada pela orquestra. Vou colocar as duas versões para vocês verem. Abaixo, a versão da ópera, com uma flauta acompanhada pelo Furibondo String Trio: E aqui, a versão que se tornou tão popular ao piano, com Yuja Wang. Uma vez o Arnaldo Cohen a tocou num recital aqui em Fortaleza. Eu tive que sair, pois choro com essa também. É pura beleza e inspiração. E é conhecidíssima, muito mais do que a ópera de que deriva. https://open.spotify.com/track/24cgBBhZD1cWekUqaYuqTB?si=4501ea363a404509 Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Em 1803, Ludwig van Beethoven ainda era, de certa forma, um pacato cidadão morando em Viena, na Áustria, encantado com a Revolução Francesa e com Napoleão Bonaparte. Acontece que em 1804 Napoleão proclamou-se imperador e Beethoven ficou revoltado. Simplesmente porque viu que era um déspota, não estava interessado nos ideais da revolução, mas no poder. Não que ele tivesse nada a ver com o imperador, mas tinha escrito uma sinfonia inteira e revolucionária em sua homenagem. Pois ele foi lá na partiura manuscrita e apagou o nome do homenageado com tanta força que rasgou o papel. Além disso, a mente de Beethoven estava tumultuada pelo início da surdez, o que o levou a escrever o Testamento Heiligenstadt, já distribuindo seus bens e evidenciando sua tortura interna. A Eroica (Heróica) é revolucionária em vários aspectos: temos muitos acordes dissonantes, ele reforça tempos exóticos, o próprio comportamento da música é inovador, trazendo um espírito de triunfo, uma aura épica, que ainda não se tinha visto na música até então. Ao que parece, o compositor estava ciente do impacto dessas inovações. Houve um ensaio lendário em que os músicos quase se recusaram a tocar, e ele mesmo perdeu o ritmo em uma eção. Era considerada difícil de tocar, difícil de escutar, quase obcena. Mas ele insistia, regendo a estreia em agosto de 1804, na casa do seu patrono, o príncipe Franz Joseph von Lobkowitz, a quem a obra é dedicada. A sinfonia marca a entrada de Beethoven em sua segunda fase (de três). A fase romântica, ou fase heróica, como é chamada. É considerada o marco inicial do romantismo na música. Foi composta logo depois da segunda, mas se despede do classicismo presente nesta de forma retumbante. A orquestra pedida contém: 2 Flautas 2 Oboés 2 Clarinetes 2 Fagotes 3 Trompas 2 Trompetes Tímpanos Violinos 1 Violinos 2 Violas Violoncelos Contrabaixos Consta que o príncipe contratou 20 músicos extra para a estréia. A Obra Abaixo, a Sinfônica da Rádio de Frankfurt (hr-Sinfonieorchester), regida por Andrés Orozco-Estrada. I. Allegro con brio (20s) Ela já começa com dois acordes como que mostrando seu caráter agressivo. Logo depois aparece o tema 1 nos violoncelos (23s). A frase dos violoncelos parece ser interrompida por uma nota dos violinos (28s), que leva a um desfecho inesperado. As madeiras repetem o tema 1 (36s), mas dessa vez sem a interrupção, indo para uma terminação mais previsível. E já temos nesses poucos segundos uma revelação do que vai acontecer nos próximos minutos. Repare nas acentuações rítmicas aos 46s. O tema 1 entra com mais vigor aos 59s. Temos, então, uma transição nas madeiras (1m08s), depois outra (1m27s), nas cordas. Agora (1m48s) temos o segundo tema, bem contrastante, no clarinete. Na verdade, ele é bem distribuído pela orquestra. Aos 2m32s temos mais acordes acentuados e aos 2m37s, acordes repetidos como um martelar insistente. Aí, num súbito piano (2m59s), as cordas nos preparam para a repetição disso tudo, que começa aos 3m05s. Aos 3m18s repare na trompa natural que eles usam, sem pistos. É um instrumento que, se fosse esticado, atingiria uns 7 metros de comprimento. O desenvolvimento começa aos 5m45s, num clima meio misterioso. Logo aparece um material da transição (6m). Aos 6m13s repare na entrada do tema 1 nos contrabaixos e violoncelos. A música parece que vai se complicando, com mais acentuações e mudanças de tonalidade. Aos 7m29s tem início uma seção medonha que culmina com o acorde mais estranho da música (7m59s). Depois disso, Beethoven achou por bem nos dar um novo tema (no meio do desenvolvimento, o que não é comum). Nos oboés, aos 8m08s. Aos 8m26s o tema 1 ameaça. Aos 8m50s, em vez de nos apresentar alguma ideia nova sobre o tema 2, ele reapresenta o tema 3 e o desenvolve. A recapitulação tem início depois de uns tremulos em piano dos violinos. Aos 10m12s temos o tema 1, e mais uma vez, com um desfecho diferente. Temos as transições e o tema 2 aos 11m54s. Temos, então, o coda, aos 13m01s com uma modulação. Ele ainda trabalha o tema 3 (13m28s). Ele também trabalha os outros temas, nem parece um coda. E acaba com os mesmos acordes com que começou. II. Marcia funebre: Adagio assai (16m14s) O segundo é uma marcha fúnebre. Nobre e dramática, sua forma é A-B-A. Seu tema 1 é ouvido logo no início, nos violinos em registro grave. O oboé o repete aos 16m48s. Aos 17m18s, os violinos introduzem o tema 2, menos langoroso e mais poderoso. Ambos terão influência por todo o movimento. Aos 18m17s o tema 1 volta, na subdominante. Agora, aos 18m43s, o tema 2 volta no oboé. Ouça o eloquente acorde nas madeiras, aos 20m15s. Aos 20m50s tem início a parte B, que é bem mais serena, concedendo um certo alívio. É quase pastoral. Aos 22m39s começa uma modulação que nos trará de volta os temas da parte A (22m54s). A escrita é sutil, mas muito bem elaborada. Temos um fugado belíssimo, começando aos 23m31s. Ele serve como desenvolvimento. Aos 25m27s, mais acordes dramáticos e uma cadência perfeita que leva ao começo do tema 1. Aí Beethoven endoida de novo (26m). Tudo muito atormentado e dividido. Até que o oboé restaura o tema 1 em sua completude (26m46s). O tema 2 volta aos 27m12s com um brilho escuro fora do comum. É incrível como esse movimento, assim como o anterior, se faz com pouco material, apenas desenvolvendo bem e alternando gestos. Repare, por exemplo, na seção quase jocosa que tem início aos 28m54s. E em como ela vai ganhando dramaticidade aos poucos até jorrar uma completa melancolia, antes de a música acabar. III. Scherzo. Allegro vivace - Trio (32m02s) Depois desses dois movimentos superpoderosos, não tinha muito como fazer o Scherzo brilhar. Mas ele faz o possível. É um inventivo movimento em que predomina a escrita absolutamente clara para a orquestra, alternando momentos de pianíssimo com fortíssimo. O Trio começa aos 35m36s, com três trompas. Repare como, na trompa natural, a mão direita tem que se movimentar na campana para dar as notas na afinação correta. Aos 36m09s volta o Scherzo. Existe um consenso de que estes dois últimos movimentos são mais fracos. Leonard Bernstein argumenta que isso é só porque os dois primeiros foram tão monumentalmente fantásticos. Concordo. IV. Finale. Allegro molto - Poco Andante - Presto (37m58s) O finale é um tema com 10 variações. Ele aparece aos 38m10s bem calminho em pizzicato nas cordas, com alguns arrebatamentos. A primeira variação é bem contrapontística, nas cordas, também, mas com arco. Na terceira variação o tema aparece nos baixos e uma segunda melodia começa a invadir, aos 39m43s, no oboé. Ela terá importância e será, inclusive, protagonista dos momentos culminantes do movimento. Aos 40m23s temos mais um fugado, valendo como quarta variação, que tem consequências mais dramáticas. Depois a música segue alternando momentos turbulentos com outros mais triunfantes. Observe, aos 42m29s, a aparição do inocente tema 2. Ele domina a nona variação. Aos 44m28s temos uma lembrança do tema 2 do segundo movimento. Na décima variação, a orquestra volta em tutti (todos os instrumentos) em mais um momento de grandeza. O coda é brilhante e enérgico. Considerações finais A Eroica é de uma importância grandiosa no desenvolvimento da história da música. Suas dimensões, suas alterações de humor, sua magnitude, sua orquestração, tudo transborda criatividade e a personalidade única de Beethoven. Começa o romantismo, com todas essas características, que seriam levadas às últimas consequências, de modo que, no final do século XIX, os compositores achavam que não tinham mais para onde expandir a música tonal, partindo para outras ideias, como o atonalismo, dando origem à música moderna. Gravações importantes Vou tentar ir além do óbvio aqui, o que significa que só vou mencionar as gravações lendárias de Herbert von Karajan, Otto Klemperer e Wilhelm Furtwängler. Pronto, mencionei. E são excepcionais. - Erich Kleiber, com a Orquestra do Concertgebouw - De 1953, é a gravação clássica. Extremamente bem tocada e bem gravada para a época. - Gustavo Dudamel, regendo a Sinfônica Jovem Simón Bolivar - É de 2012 e é uma das gravações mais convincentes e com o melhor som. Dudamel e sua excelente orquestra venezuelana fazem milagre. - Claudio Abbado, com a Filarmônica de Viena - De 1987 e meio lerda, é uma das minhas gravações preferidas, com a Filarmônica tocando de modo excepcional. - George Szell, regendo a Orquestra de Cleveland - Em seu auge, a paceria Szell/Cleveland fez algumas das principais gravações de Beethoven. Temos, por exemplo, os concertos com Leon Fleisher, que são definitivos. A Eroica, de 1957, não fica atrás, com uma virilidade impressionante. Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 5 - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Algumas curiosidades que eu achei interessante colocar aqui. Espero que formem um conjunto acima de tudo elucidativo sobre o papel do rengente. Poucos regentes são mulheres. Ou poucas têm destaque. Certamente tem a ver com machismo. E também com tradição, que elas estão criando agora. Algumas são: Marin Alsop (americana, regeu a Orquestra Sinfônica Estadual de São Paulo), Susanna Mälkki (finlandesa, rege a Filarmônica de Helsinki), Mirga Gražinytė-Tyla (lituana, rege a Sinfônica da Cidade de Birmingham), além de Alondra de la Parra, Joana Carneiro, Nathalie Stutsmann e outras. Homossexuais também são poucos. Até os anos 90 era quase impossível um regente se declarar gay. Um exemplo famoso era Leonard Bernstein, o maestro americano que morreu em 1990 e nunca expôs suas preferências sexuais. Mas pouco a pouco eles vão perdendo o medo. Alguns maestros morreram regendo: Dimitri Mitropoulos (teve um ataque cardíaco enquanto ensaiava a 3ª de Mahler), Giuseppe Sinopoli (ataque cardíaco aos 54 anos quando regia a ópera Aida), Joseph Keilberth (teve um colapso quando regia ópera no mesmo pódio em que, em 1911, morreu Felix Mottl), Eduard van Beinum (ataque cardíaco ensaiando a 1ª de Brahms) e um punhado de outros. Alguns regentes, como Arturo Toscanini, Herbert von Karajan, Daniel Barenboim e Vladimir Ashkenazy se tornam tão famosos quanto Pop Stars. Os regentes de primeiro escalão ganham muito dinheiro. Facilmente ultrapassam 3 milhões de dólares em uma temporada em uma orquestra. E geralmente eles têm vínculo com 3 ou 4. Alguns compositores foram regentes de maior ou menor sucesso. Temos gravações de Rachmaninoff, Stravinsky, Lutosławski, Penderecki e Villa-Lobos regendo suas próprias obras; e Boulez e Previn, que se tornaram regentes realmente respeitados e gravaram de tudo. Praticamente todo regente sabe tocar piano. Não necessariamente como virtuose, mas eles sempre reduzem a partitura orquestral para piano para aprendê-las. Além disso, regentes de ópera muitas vezes ensaiam os cantores acompanhando-os ao piano. Entre os regentes que são pianistas virtuoses temos Daniel Barenboim, Vladimir Ashkenazy e Andre Previn. A leitura de partitura tem que ser excelente. Muitos regentes aprendem as obras só com a partitura, digamos, durante um voo. Eles batem o olho e têm uma ideia de como soa. Alguns são infernais e gritam com os músicos. Principalmente antigamente. Dá pra ver ensaios no YouTube em que eles destroem os instrumentistas. Mas a maioria é amigável. Muitos maestros preferiam reger sem a batuta: Leopold Stokowski, Valery Gergiev, Dimitri Mitropoulos e Pierre Boulez. Às vezes (uma vez na vida) a um maestro é dada a oportunidade de simplesmente montar uma orquestra com orçamento ilimitado; ou aprimorar uma, contratando músicos, construindo a sala de concerto. É o sonho de todos eles. Aconteceu no Brasil, quando John Neschling reformulou a Sinfônica Estadual de São Paulo e na Inglaterra, quando Simon Rattle reconstruiu a Sinfônica da Cidade de Birmingham. Existem maestros especializados na interpretação com instrumentos e técnicas de época. São as Interpretações Historicamente Informadas (HIP, sigla em inglês), de que falo nesse post. Alguns regentes brasileiros tiveram uma carreira de destaque lá fora: Eleazar de Carvalho, cearense de Iguatu; John Neschling, carioca; Roberto Minczuk, paulista. Tem dois regentes que eu não consigo mais escutar devido a seus comportamentos: James Levine (pior que ele é excelente) e Charles Dutoit, que já foi casado com Martha Argerich. Ambos se envolveram em escândalos de abuso e assédio sexual. Gostou do post? Comente aí em baixo. E não se esqueça de conferir: Parte 1 Parte 2

O que faz um maestro? Se você já se perguntou isso, venha descobrir com a Arara. Ele fica mexendo as mãos na frente da orquestra, certo. E os músicos parecem entrar na hora em que ele baixa as mãos. Parecem também parar quando ele faz um gesto. Então fica aparente que o maestro é, como diz a famosa analogia, um guarda de trânsito musical. Ocorre que isso é parte do trabalho dele, sim. Parte! O regente, que é o nome técnico da profissão, dá a entrada da orquestra, e todas as entradas de instrumentos que ocorram naquela música. Digamos que você é um flautista. Você entra bem no começo da música, então fica atento ao levare (que é uma espécie de gesto preparatório) e começa a tocar quando a mão cai. Se você estiver tocando devagar demais, o maestro tem um gesto pra te dizer pra correr um pouquinho. Daí você para de tocar e a partitura diz que você vai passar 93 compassos em silêncio. Você conta os 93 e entra no 94? Ou você não conta nada e entra quando o regente apontar pra você? Na verdade, é uma mistura dos dois. O maestro tem que indicar a sua entrada, mas você também tem que saber a hora de entrar (mesmo porque se você não souber isso, não está sabendo muito a música), até pro caso de ele esquecer (o regente tem que lembrar de 1 bilhão de coisas, pode esquecer alguma). O mesmo acontece se você estiver tocando fraco demais. Ele, com um movimento, vai te pedir pra crescer. Ou decrescer, caso esteja forte demais. A maneira e efetividade com que o maestro faz isso tudo se chama, simplesmente, técnica. Ou técnica de mão. Essa técnica vai permitir que ele dê equilibrio ao conjunto de forma rápida e eficiente. Uma das coisas mais difíceis de fazer é desacelerar a orquestra inteira sincronicamente, como se fosse um músico só reduzindo a velocidade e, depois, retomando. Isso porque o compositor pediu na partitura, escrevendo sobre as notas a palavra: ritardando. Agora, você imagina, uma partitura de 120 páginas (digamos, 30 minutos de música): tem milhares de observações e instruções, e o maestro tem que, não só saber como fazer, mas lembrar que estão lá. E aí vem outra questão: pra quê tantas instruções? O que o compositor quer com isso? Ele quer construir a narrativa da sua obra. Vamos pegar uma música de Richard Strauss (o Strauss profundo, sem parentesco com o valsista Johann Strauss II). A peça se chama Morte e Transfiguração. Começa com um ritmo fraco e pulsante. O que é? O coração de um homem à beira da morte? E por que a música tem passagens felizes? Estaria ele lembrando momentos alegres de sua vida? E daí se vai construindo uma interpretação lógica, baseada não só no que está na partitura, mas no que se sabe do compositor. Imagino que um regente leia muito. Principalmente biografias. Aí o regente pega todas as suas referências, todas as informações e indicações da partitura e monta a sua interpretação. E, nos ensaios, faz o seu melhor para que a orquestra compreenda essa visão. Por isso, não é incomum ouvirmos, num ensaio de orquestra, coisas como: "mais quente!", ou "mais assertivo", ou ainda "sem esperança!" etc... Mas não pense que toda música tem uma narrativa linear, uma historinha. Às vezes sim, mas como a música pode ser muito abrstrata, às vezes o regente tem que usar palavras mais alusivas, para que os músicos entendam onde ele quer chegar. Acha que terminou, o trabalho do regente? Non! Os músicos perguntam o tempo todo coisas como: que baqueta usar (numa percussão); qual o movimento certo dos arcos dos violinos; onde o oboé deve respirar etc. Tudo antes do ensaio, existe um acordo tácito de que os músicos devem falar o mínimo do mínimo nos ensaios, porque se cada um resolver tirar suas dúvidas ali, nunca mais vai terminar. E o regente tem que ter absoluta convicção e confiança no que diz. Se a orquestra perceber alguma insegurança nele, ela própria ficará insegura. Além disso, o maestro tem que ter boa relação com os músicos; autoridade; controle e calma. Cabe a ele, também, sempre aprimorar a orquestra, ensaiando sobretudo as fraquezas do conjunto. E ele participa do processo de seleção dos músicos. Os testes são feitos por trás de uma cortina, para que não sejam favorecidos homens sobre mulheres ou aconteça qualquer outro tipo de discriminação. Observe: Perceba a quantidade de informações que essa página da Sagração da Primavera, de Stravinsky, contém. Crescendo, glissando, sempre forte, uníssono, campanas no ar; flatterzunge. Além dos trinados, legatos, acentos, crescendos... Isso em três compassos: a obra tem quase 160 páginas. Não é exatamente o dever do regente saber cada coisinha de cor, mas ele tem que estudar a partitura o suficiente para ser fluente e, se precisar, apenas bater o olho na partitura para se situar. Arranhamos a superfície do que é o trabalho de um regente. No próximo post vou falar algumas curiosidades e, mais pra frente, claro, farei meus Top + que 10. Se ainda não leu, leia aqui a parte 1, um resumíssimo da história da regência. E aqui, a parte 3.

Vamos tentar começar a entender o trabalho de um regente de orquestra. Quero que você me acompanhe, porque vou falar só o essencial e tudo que vou falar é essencial. No barroco, na música de câmara, o regente era o cravista. Na música coral surgiu aquele cidadão, o kapellmeister, que indicava aos cantores a sua entrada, a hora de respirar, quando cantar mais forte e que vozes deveriam se destacar das outras em determinada passagem (mas ele também era o compositor e arranjador daquela corte ou daquela igreja). E eles aplicaram isso também à orquestra, que começava a crescer e precisar de um indivíduo dedicado para aquela função. Ainda mais em ópera. No começo eles regiam com um bastão, batendo o ritmo no chão. O compositor Jean-Baptiste Lully acabou sofrendo um grave acidente ao reger, ferindo o pé com esse bastão. Ferimento que acabou gangrenando e o levando à morte. No classicismo, muitas vezes o próprio compositor regia sentado ao cravo. Ou o primeiro violinista fazia o que ainda hoje o lider de um quarteto de cordas faz: levanta a mão um tempo antes da entrada, descendo e tocando a corda no tempo certo. E com a respiração ele também dava a deixa. Se você for escutar um quarteto de cordas, vai ouvir uma profusão de sons de respiração. Já no século XIX, a orquestra cresceu um monte, e então passaram a precisar de uma pessoa só indicando todas as entradas, crescendos, rubatos e muito mais. Não dava mais pra ele ser um instrumentista. Porque na música a partir de Beethoven, havia muitas pausas abruptas, entradas em tempos diferentes, silêncios... E os rubatos (fazer rubato é dar uma leve acelerada ou retardada, pra depois retomar o andamento) foram ficando mais sofisticados. Por volta de 1830 o jovem Felix Mendelssohn começou a reger e a usar a batuta, que facilita a visão do gesto para os músicos. Mendelssohn, o mesmo compositor, é considerado um dos pais da regência. Então vieram muitos compositores-regentes, como Richard Wagner, Hector Berlioz, Richard Strauss e Gustav Mahler. Mas o primeiro músico que ficou famoso por ser maestro e que realmente vivia disso, com muito sucesso, foi Hans von Bülow. Respeitado por toda a Europa, ele tinha um estilo próprio e era capaz de fazer a orquestra ter um som próprio. Depois dele vieram os dois grandes regentes que influenciariam todos os outros. Estou falando de Arthur Nikisch e Hans Richter. Nikisch foi um dos mais influentes maestros de toda a história. Ele chegou a gravar, e, embora as orquestras na época ainda não tivessem atingido o nível de perfeição de hoje, ele certamente as ajudou a atingir. Dizia-se que ele regia mais com os olhos que com as mãos. No final do século XIX e começo do XX surgiram os os dois que finalmente formariam as duas correntes de pensamento do século (na verdade, até hoje). Arturo Toscanini e Wilhelm Furtwängler. O primeiro, italiano, temperamental, gritava horrores com seus músicos e exigia perfeição. Ele era partidário da intepretação mais fiel possível à partitura. Já Furtwängler, alemão, era o oposto de tudo isso que eu falei. Tomava liberdades enormes com a partitura, era gentil e falava pouco nos ensaios. Ouvi entrevistas de músicos que diziam algo como: "assim que eu entrei na orquestra o primeiro clarinetista veio me dizer que quando a batuta atingisse o segundo botão da sua camisa, esse era o tempo 1". Sua regência era lânguida e tendia para o lento. A do Toscanini era viril e tendia para o rápido. Temos gravações históricas de um e de outro. Aliás, gravações históricas não nos faltam. Nikisch regendo a 5ª de Beethoven; Toscanini com seu genro Vladimir Horowitz tocando o 1º Concerto de Tchaikovsky e o 2º de Brahms; Furtängler regendo a 3ª Sinfonia de Beethoven; Bruno Walter regendo a 9ª Sinfonia de Mahler (Bruno havia trabalhado com Mahler); Pierre Monteux regendo A Sagração da Primavera, de Stravinsky e o balé Daphnis et Chloé, de Ravel (Monteux regera as estreias das duas obras); Stravinsky regendo Stravinsky, Rachmaninoff regendo sua obra; Lutosławski regendo a sua; Penderecki; Boulez... De alguns dos regentes mais importantes da nossa história falarei em uma série de Top 10 que planejo fazer. No próximo post explico qual a função de um regente. A verdadeira necessidade de um. Veja aqui a parte 2 e aqui a parte 3.

A Sinfonia Fantástica, Op. 14 (Symphonie Fantastique), que apareceu nesta lista, foi composta em 1830 pelo francês Hector Berlioz. Ao que me consta, é sua obra mais conhecida e uma das sinfonias mais importantes de todo o repertório. O nome "Fantástica" não é no sentido de "olha que sinfonia fantástica", mas no sentido de que é uma grande fantasia. É uma obra programática, isto é, conta uma história. Observem. São momentos na vida de um jovem artista, que, a certa altura, aparentemente rejeitado por sua amada, resolve se matar com uma dose monumental de ópio. Acontece que ele não morre, mas entra numa alucinação profunda. Os movimentos, que vão contando a história, são: 1. Rêveries - Passions (Devaneios - Paixões) - O artista vê uma moça e imediatamente se apaixona. Ela surge na forma de um tema que irá se repetir por toda a obra: a ideia fixa. O movimento é composto por alternâncias entre esse amor desesperado e outros estados de espírito, como alegria, exaltação, raiva, ciúme. 2. Un Bal (Um Baile) - Ele se vê em vários momentos da sua vida: num baile confuso, contemplando a natureza etc. Mas, qualquer que seja a situação, aparece o pensamento intrusivo da mulher, que o atormenta. Esse movimento é uma valsa superagradável. Algumas gravações da sinfonia incluem uma seção com solo de corneta, que Berlioz acrescentou posteriormente. 3. Scène aux Champs (Cena no Campo) - Ele está numa noite no campo e algo lhe chama a atenção: dois pastores (no bom sentido) tocam o Ranz des Vaches, uma melodia tocada numa espécie de trompa para tanger o gado. Um toca aqui, o outro responde à distância. Esse dueto o faz ter o palpite de que ele também não andará mais só. Mas então vem a pergunta: e se ela for infiel? Essa dúvida vira uma tormenta. O movimento termina com o Ranz des Vaches novamente, mas, desta vez, só um toca, o outro não mais responde. Um grande professor que eu tive, Germán, me fez perceber a orquestração desse movimento. Para ele, no aspecto de orquestração, o romantismo se consolidou aqui. Isso porque as madeiras (flautas, oboés, cornes-ingleses, clarinetes, fagotes) têm importância maior que as cordas aqui. De fato, até então as cordas dominavam, os sopros servindo apenas para lhes dar suporte ou para fazer frases curtas. Nesse movimento, o toque dos pastores é feito no corne-inglês e no oboé. E a ideia fixa aparece no oboé e na flauta. 4. Marche au Supplice (Marcha ao Suplício) - É aqui que ele, achando que ela não o queria, resolve tomar ópio em dose mortal. Mas ele não morre, caindo, em vez disso, num sono cheio de visões e premonições. É um sonho terrível: possuído pelo ciúme, ele mata a amada e é condenado à morte. Ele assiste à própria execução. No delírio, seu último pensamento é nela, representada, como sempre, pela ideia fixa, que aparece tocada no clarinete. 5. Songe d'une Nuit du Sabbat (Sonho de uma Noite de Sabá) - Ele sonha que seu funeral é um sabá (encontro diabólico de feiticeiras), ao qual comparecem monstros e demônios. Em meio a risadas grotescas, grunhidos e gritos, ele ouve, uma vez mais, a ideia fixa, mas agora ela está destituída de qualquer charme, transformada em uma "música de dança vulgar". Nesse movimento, ouvimos o Dies Irae, um cantochão medieval ameaçador que costuma ser evocado por compositores quando estes querem falar de morte. Obra extremamente madura para um compositor de 27 anos, ela inaugura a escrita sinfônica francesa de forma brilhante (Berlioz era um exímio orquestrador). A estrutura cíclica da peça, em que cada movimento tem relação com os outros, é realizada de maneira impecável. Eu indico as seguintes gravações: Sinfônica de Chicago (London Symphony), regente: Claudio Abbado - Sinfônica de Londres (London Symphony), regente: Colin Davis - Sinfônica de Boston (Boston Symphony), regente: Seiji Ozawa - Les Siècles, regente: François-Xavier Roth. A enorme orquestra que ele pede (e ele é bem específico), compõe-se por: 2 Flautas (uma delas alternando para Flautim) 2 Oboés (um deles alternando para Corne-inglês) 2 Clarinetes (um deles alternando para Clarinete em Mi Bemol, mais agudo) 4 Fagotes 4 Trompas 2 Cornetas 2 Trompetes 3 Trombones 2 Oficleides (hoje geralmente substituídos por Tubas) 2 Tímpanos Percussão: Pratos, Caixa-clara, Bombo Sinfônico, Sinos em Dó e Sol 2 Harpas 15 Primeiros Violinos 15 Segundos Violinos 10 Violas 11 Violoncelos 9 Contrabaixos Curiosidades: - Acredita-se que Berlioz tenha escrito a peça, ele mesmo, sob influência de ópio; - O regente americano Leonard Bernstein dizia que é a primeira música psicodélica, mais de 130 anos antes dos Beatles; - Liszt escreveu um arranjo para piano em 1833; - A sinfonia é inspirada na obsessão de Berlioz pela atriz irlandeza Harriet Smithson, mesmo ele estando comprometido com outra; - Ela não é sujeita a interpretações, visto que o próprio Berlioz providenciou uma espécie de libreto com a descrição exata dos movimentos; - Seu nome oficial é Episódio da Vida de um Artista, Sinfonia Fantástica em Cinco Partes; - Berlioz revisou durante 15 anos a obra, de modo que o que conhecemos hoje é a versão de 1845; - A sinfonia colocou Berlioz no mapa; - A orquestra que ele pede é composta de 90 músicos, ou mais; - A certa altura, o primeiro oboé se retira de cena e toca na coxia, quando um dos pastores toca à distância; - Foi dedicada ao Imperador de Todas as Rússias, Czar Nicolau I.

Ludwig van Beethoven escreveu sua Sinfonia Nº 5, em Dó menor, Op. 67 entre 1804, logo após a 3ª, a "Eroica", e 1808. Ele interrompeu a composição para cuidar da 4ª. E também compôs a 6ª, a "Pastoral" ao mesmo tempo. Depois, a apelidaram de "Fate", ou "Destino", porque as quatro notinhas iniciais, o pam-pam-pam-paaaam, elas aparecem no início e, praticamente sozinhas, conduzem a uma das jornadas mais legais de todas as sinfonias. Uma que vai do desespero ao triunfo. Lembram que quando eu falei da sexta eu disse que era muito difícil arranjar um teatro em Viena na época e, quando ele conseguiu, colocou todas as obras que pôde para estrear? A 5ª também estava lá. Não foi exatamene um fiasco, mas foi um concerto muito longo (mais de 4 horas!) e estava frio. Além disso, ele conseguiu apenas um ensaio, de modo que as pessoas reagiram mais às condições do concerto que à música. Foi no Theater an der Wien, em 22 de dezembro de 1808. Ele regeu e tocou piano em tudo. Na época, chamou a 5ª de 6ª e vice-versa, trocando quando foi publicar a partitura. O programa era: 1. A Sexta Sinfonia (Chamada de 5ª, na época) 2. A Aria: Ah! Perfido, Op. 65 3. O Gloria da Missa em Dó maior 4. O 4º Concerto para Piano Intervalo 5. A Quinta Sinfonia (Chamada de 6ª) 6. O Sanctus e o Benedictus da Missa em Dó maior 7. Uma improvisação de Beethoven ao Piano 8. A Fantasia Coral É incrível que o mesmo homem tenha composto a "Pastoral", aquela graciosa exibição do amor pela natureza e a 5ª, que lida com questões bem mais profundas. Abaixo, nossa Sinfônica da Rádio de Frankfurt (hr-Sinfonieorchester), sob a regência do colombiano Andrés Orozco Estrada. A Obra I. Allegro con brio (15s) Já começa com o tema sendo apresentado de imediato, as quatro notas e depois mais quatro. Note que todo o movimento é baseado nessas notas. É a arte de fazer muito com pouco. Aos 58 segundos as trompas anunciam (com as mesmas notas) a introdução do tema 2 (1m), bem mais lírico. Eles repetem a curta exposição (em algumas gravações isso não acontece) aos 1m37s. Aos 2m55s temos o desenvolvimento. Repare nos acordes em fortissimo e suas acentuações aos 3m23s. Beethoven nos dá alguns sustos, como aos 4m. Depois o oboé vai se insinuando até que tem sua voz ouvida (4m27s). Nenhuma nota desse movimento é em vão. Está tudo conectado, muito bem pensado e elaborado. É um movimento que consegue, com apenas 4 notas, nos transmitir o que nem mil palavras podem. II. Andante con moto (7m24s) Andante con moto não tem nada a ver com andar de moto. É ritmo de caminhada, mas com movimento. O belo tema dos violoncelos entra logo de início. Ele é cantante e tranquilo. Depois vem o tema 2, nos metais, aos 8m37s. É um movimento de extrema beleza. Saímos do "destino batendo à nossa porta" para um belo passeio de moto. Um clarinete e um fagote, depois os sopros, preguiçosos, fazem um belo coral aos 12m13s. Até que a orquestra ataca de novo no tema 2. A música às vezes assume um jeito de marcha. Mas tem um final belíssimo. III. Scherzo: Allegro (16m50s) O Scherzo (pelo qual Beethoven substituiu o Minueto nas sinfonias) começa ameaçador, nos graves. Mas logo vai se revelar uma música de busca ao triunfo. Ele tem o motivo de 4 notas do começo ao fim, às vezes por baixo de algum tema, às vezes como protagonista. Exceto no trio (18m51s). Ele volta ao Scherzo com as trompas. Vem um segundo trio, fugado, e, depois as cordas em pizzicato voltam ao tema do Scherzo de novo. IV. Allegro - Presto (24m39) Sem interrupção (attacca) chegamos no ponto de virada. Toda a angústia que se passou se transforma em triunfo. De júbilo, alegria, o que você quiser chamar. Vale prestar atenção na orquestração aqui, que é brilhante e usa o flautim. Repare no coda exageradamente longo, como se ele quisesse reafirmar o triunfo. Considerações finais Se a Pastoral foi a primeira sinfonia descritiva, essa aqui foi a primeira sinfonia-jornada, saindo das trevas até, no último movimento, chegar à luz. E Beethoven o faz com maestria, usando e abusando das 4 notas (do destino), e com uma orquestração impecável. Gravações recomendadas - Carlos Kleiber, regendo a Filarmônica de Viena - A gravação mais conhecida da obra, de 1975. Unanimidade, praticamente, pela energia e pela execução impecável da Filarmônica. - Herbert von Karajan, com a Filarmônica de Berlim - Como Karajan era múito famoso, era chique dizer que suas interpretações não eram lá essas coisas. Mas quase todas são. Ele era um refinadíssimo escultor de sons. Essa gravação de 1984 mostra exatamente isso. - Arturo Toscanini, com a Sinfônica da NBC - Essa versão, dos anos 50 é gloriosa. Você encontra no Spotify nessa caixa: https://open.spotify.com/album/1NNw57TGjZNXrgxQaR5Zgd?si=LoYabOIkSJ-LtJZg3aMM-Q - Christopher Hogwood, com a Academia de Música Antiga - Das interpretações de época, essa é a que mais me agrada. O som da orquestra é impressionante. E o som gravado, também, que é de 1987. Gostou? Comente! Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Richard Strauss - Sinfonia Alpina - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Um Poema Sinfônico maduro de Richard Strauss (o bom). Não que os outros Strausses fossem ruins. Joseph, Johann e Johann II Strauss eram compositores de valsas e polkas vienenses. É música de ocasião, que não tem uma gota da relevância da de Richard. Vale lembrar que é um nome muito comum na Alemanha e Áustria, e, enquanto os três valsistas eram parentes, esse aqui não tinha nada a ver com eles. A Sinfonia Alpina marca a volta dele aos seus queridos Poemas Sinfônicos, depois de 11 anos compondo ópera e dedicando-se à profissão de regente. Dizem que foi um dos maiores maestros de todos os tempos. Mas sobraram poucas gravações e o som é bem ruim. O que eu sei é que ele era um excelente orquestrador. A música de Strauss não é estruturalmente complexa: geralmente é dividida em episódios bem narrativos, com título e tudo. Não é profunda, também, mas é altamente atraente, bem feita, polifônica e demonstra um talento absurdo para lidar com várias texturas instrumentais ao mesmo tempo. Dura uma quase hora, mas você não sente o tempo passar. É a descrição de uma excursão pelos Alpes que ele fez quando menino, começa descrevendo uma noite e termina na outra noite. Abaixo, nossa habitual Orquestra da Rádio de Frankfurt (hr-Sinfonieorchester), sob a excelente regência de Andrés Orozco-Estrada. É sempre bom ver uma orquestra com tantas mulheres, inclusive nas cadeiras mais importantes. Não vou fazer uma análise de verdade, como as outras. Com cada aparição de cada tema e tudo. Porque os movimentos têm nomes que descrevem exatamente o que Strauss queria dizer. A Obra Ele pede uma orquestra imensa. Uma das maiores que eu já vi. 4 Flautas (2 alternando para Flautins) 3 Oboés (1 alternando para Corne Inglês) 1 Heckelphone (um Oboé mais grave) 1 Clarinete em Mi bemol 2 Clarinetes 1 Clarinete Baixo (alternando para Clarinete em Dó) 4 Fagotes (1 alternando para Contrafagote) 8 Trompas (4 alternando para Tubas de Wagner) 12 Trompas fora do palco 4 Trompetes 2 Trompetes fora do palco 4 Trombones 2 Trombones fora do palco Tímpanos - 2 Timpanistas Percussão Glockenspiel Máquina de Vento (Wind Machine) Máquina de Trovão (Thunder Machine) Celesta Órgão 2 Harpas 18 Violinos 1 16 Violinos 2 12 Violas 10 Violoncelos 8 Contrabaixos Strauss escreveu, após a morte de Gustav Mahler, em 1911: "A morte desse desejoso, idealista, energético artista é uma perda grande... Mahler, o Judeu, poderia atingir a elevação através do Cristianismo. [Mas] é claro para mim que a Alemanha só atingirá nova energia criativa se se libertar do Cristianismo... Eu vou chamar minha Sinfonia Alpina: Der Antichrist, pois ela representa: purificação moral da pessoa através da sua própria força, libertação através do trabalho, adoração da eterna e magnífica natureza." Mais tarde, com a chegada do Nazismo, ele ficaria meio encantado com o movimento e se complicaria um pouco, apenas posteriormente o renegando. Mas aqui vemos um cidadão praticamente ateu, louvando um judeu e a natureza. E o tema dessa obra é esse: a adoração à natureza. Vamos aos movimentos. I. Noite (43s) Repare nesta descrição da noite, com os sopros graves, como se tudo fosse difícil de enxergar. Os primeiros raios de sol são representados por duas notinhas nas flautas, trompetes etc. II. Alvorada (4m17s) Depois de um crescendo, o sol finalmente aparece, triunfante. É um movimento curto, todos são tocados sem interrupção. III. A Subida (6m01s) A subida começa nos graves (contrabaixos). A escrita orquestral é simplesmente arrebatadora, os metais aparecendo bastante. Perto do final a gente ouve os metais que estão fora do palco, para dar uma ideia de distância. IV. Entrada na Floresta (8m21s) Começa com um acorde menor ameaçador, mas ameaça vai diluindo. Aqui transparece bem a facilidade que ele tinha de lidar com várias texturas concorrentes (muita informação musical acontecendo ao mesmo tempo). Eventualmente temos um segundo tema super tranquilo, com solos de cordas ecoados pelas cordas em tutti. A tranquilidade é total, e eu realmente não entendo o acorde inicial ter sido tão dramático. V. Passeando pelo Riacho (13m57) O riacho é um movimento bem curto, e o personagem parece estar encantado. VI. Na Cachoeira (14m47s) A cachoeira é representada pelo burilar das madeiras, assim como as harpas. VII. Aparição (15m01s) Aqui é como se eles vissem algo na mata, mas não algo assustador. Talvez animais. Talvez a "Fada dos Alpes". A música é muito bonita. Ouve-se os pássaros. VIII. Sobre Prados Floridos (15m49s) Outro movimento bem curto. O personagem está em paz. Repare novamente nas texturas. IX. Sobre o Pasto Alpino (16m51s) Aqui ouvimos os sinos das vacas e melodias gloriosas. A orquestração se torna mais esparsa. X. Sob Arvoredos e Vegetação Rasteira no Caminho Errado (19m29s) Aqui a instrumentação adensa um pouco, com muitos elementos nas madeiras e metais. XI. Na Geleira (21m03s) Outro acorde menor representa a vasta geleira. A amplitude também é representada pelas notas mais longas da música. XII. Momentos de Perigo (22m22s) Com o tema principal e uma escrita jocosa, o perigo deve ser de escorregar. Eles andam com cuidado, pelo que se percebe. Observe, aos 23m15s o heckelphone, uma espécie de oboé tenor (uma oitava abaixo do oboé). XIII. No Cume (23m54s) Uma subida no trompete nos leva ao cume da montanha, onde a vista é ampla e bela, assim como os sons. Tem um belo solo de oboé, representando a solidão daquele lugar. Em outros momentos a música é majestosa, nas cordas. É realmente emocionante. XIV. Visão (29m43s) Uma visão calma. Aqui temos a solos de sopros, bem como a entrada do órgão (32m51s). XV. Névoa Subindo (33m41s) Os fagotes, depois os clarinetes, representam a ascenção da névoa. A escrita se torna turva, como não poderia deixar de ser. XVI. O Sol Gradualmente Obscurece (34m) Com uma escrita charmosa, ele evoca o leitmotif do sol, usado na Alvorada. XVII. Elegia (34m53s) Um canto em uníssono das cordas representa um estado de espírito mais funesto. Ouve-se bem o órgão nessa parte. E o heckelphone. XVIII. Calmaria Antes da Tempestade (37m02s) Começam a se ouvir trovões ao longe (tímpanos). O clarinete, o heckelphone e a flauta dominam o movimento. Depois ouvem-se os primeiros pingos de chuva (notas staccato no oboé), que vão se tornando cada vez mais frequentes. E mais trovões. E vento (veja a máquina de vento, aos 40m10s). XIX. Trovão e Tempestade, A Descida (40m19s) Até que a tempestade cai, com uma escrita orquestral magistral. Aqui ele usa a máquina de vento, um instrumento que era novo e foi usado até com certa frequência no começo do século XX. Veja as Tubas de Wagner, aos 41m16s. Quando ela vai terminando, ouvimos de novo os últimos pingos d´água, nos oboés e pizzicatos das cordas. XX. Por do Sol (44m21s) Aqui ele faz uso do tema da noite, nos sopros. Logo entram as cordas, para dar um toque mais mágico ao momento. XXI. O Silêncio Assenta (46m56s) Impossíver retratar silêncio com música, certo? Mas o que ouvimos aqui é principalmente o órgão em piano (baixinho). Alguns sopros se juntam calmamente a ele. O movimento é plácido e belo. XXII. Noite (54m28s) Aqui temos uma quase repetição do primeiro movimento. Com aquelas escalas descendentes e os acordes dos metais. A obra acaba serenamente, todos os perigos já passaram. A Recepção Sinfonia Alpina foi estreada em outubro de 1915, em Berlim, com Strauss regendo a Dresden Hofkapelle. As reações foram diversas, com alguns chamando pejorativamene de "música de cinema" (que é mais efeito do que conteúdo). Mas hoje é uma das obras mais queridas de Richard Strauss. Ele mesmo gostava bastante dela. Apesar do nome Sinfonia, ela está mais para um Poema Sinfônico, ou seja, é completamente descritiva e episódica, tendo, de sinfonia, apenas a duração. Gravações recomendadas - Richard Strauss regendo a Orquestra do Estado Bávaro - É a melhor gravação de Strauss dessa obra, pelo som de 1941. É um documento importantíssimo, e a interpretação é impressionante. https://www.youtube.com/watch?v=krQ_yogvIzo - Georg Solti com a Orquestra da Rádio Bávara - Essa, de 1979 tem um som impressionante. Solti faz a orquestra se soltar e exibir um som mágico. É a minha favorita. https://open.spotify.com/album/3iaYWw1ClppIBjB3BMssR7?si=uz_2XGTwRque5rTAtljb7w - Herbert von Karajan regendo a Filarmônica de Berlim - De 1980, é a última gravação da sinfonia por Karajan. O som é muito bom, e é considerada uma gravação de referência. - Vladimir Jurowsky com a Filarmônica de Londres - É a gravação moderna que eu recomendo. É de 2018. As texturas são cristalinas e a grandiosidade está presente. Comente o que achou. Gostou da Sinfonia Alpina? Veja aqui, como ouvir música clássica. E veja nossas famosas listas: - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven - 10 Discos para Entender Mozart E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) começou a compor cedo. Foi uma das maiores crianças prodígio da história. Atingiu a maturidade musical também muito cedo, antes dos 20 já compunha obras magistrais. Joseph Haydn, seu amigo e famoso compositor, chegou a dizer que Mozart era o maior compositor que ele já tinha visto ou ouvido falar. Como tudo nele era prematuro, a morte também foi. Aos 35 anos ele morria em Viena, para onde tinha se mudado para ser compositor freelancer, talvez o primeiro da história. Vamos percorrer uma discografia que não vai incluir suas amadas óperas, porque eu não entendo e não conheço o gênero. Mas não teremos apenas música instrumental, pois amo a música sacra dele. Concertos para Flauta e Harpa; para Flauta Nº 1; e para Fagote - Beznosiuk, Kelly, Bond e Christopher Hogwood regendo a Academia de Música Antiga O Concerto para Flauta e Harpa é bem juvenil, ele compôs aos 21 anos. Mas é uma jóia. É por ele que eu recomendo esse CD. Mas os Concertos para Flauta e o para Fagote também são muito interessantes. Aqui temos uma interpretação com instrumentos e técnicas da época de Mozart. Veja mais sobre isso aqui. Hogwood, que conduz ao cravo, tira uma sonoridade única da orquestra, destacando as eventuais dissonâncias que apareçam. As gravações são de 1986 e 1987. https://open.spotify.com/album/5QgrOLmZBXlt27Rq7IQCdh?si=LGIbKhnRRM-EbdRFw7beqA Serenatas Nº 10 "Gran Partita" e Nº 12 "Nacht Musik" - Harmonie de l'Orchestre des Champs-Elysées, regida por Philippe Herreweghe São duas obras sensacionais. A "Gran Partita" tem o famoso movimento lento que o Salieri descreve com paixão no filme "Amadeus". Mas também tem um tema com variações e um rondó maravilhosos. As duas serenatas são de cerca de 1782. São só instrumentos de sopro e mais um contrabaixo (na Gran Partita). Que às vezes é substituído por um contrafagote. Nessa música, obrigatoriamente, tem-se que usar instrumentos da época, porque alguns, como o basset horn só eram usados naquele tempo. Herreweghe e seu grupo parisiense nos dão uma das melhores versões de ambas obras, numa gravação de 1995. https://open.spotify.com/album/6igvEywKXIbL9EVosVRiep?si=YXqCtr4JSyyMMEKOVn1Wow Concerto para Piano Nº 23 e Sonata Nº 13 - Vladimir Horowitz, Orquestra do Teatro Scala de Milão, sob Carlo Maria Giulini Nessas gravações de 1987 temos as melhores interpretações de Mozart pelo pianista ucraniano Horowitz. Não tem nada de época aqui: usam-se instrumentos modernos, uma orquestra grandinha e vibrato. Mas isso não é menos autêntico que as gravações HIP (historically informed performance). O som de Horowitz, aqui com 84 anos, é delicioso, e ele toca um non legato de fazer inveja. E toca uma cadência de Busoni que raramente é ouvida. A orquestra, sob Giulini, está ótima. Este concerto, de 1786, é o meu favorito. Ele foi composto junto do 24º e do 25º. São três obras primas. Teremos mais concertos para piano, porque estão entre as obras mais importantes de Mozart. A sonata, de 1783, é tocada com bravura. Também é uma das minhas sonatas favoritas, e essa interpretação é simplesmente de cair o queixo. https://open.spotify.com/album/3Wk7F4AQrLeqE4xQVGEqya?si=fFbDc5arQBeHoShMs6AGHQ Quinteto com Clarinete e Quarteto de Cordas Nº 15 - Quarteto Arcanto e Jörg Widmann Esta é uma das gravações mais sensacionais do prezadíssimo Quinteto com Clarinete, de 1789, dois anos antes da morte do compositor. As articulações, a precisão timbrística, a entonação, tudo está perfeito. O Quarteto Nº 15, um dos mais arrepiantes, de 1783, recebe o mesmo tratamento. A escrita para quarteto de cordas, recente para Mozart, já alcançava níveis altíssimos. A gravação, de 2013, é muito boa. Para conhecer a música de câmara de Mozart, não conheço gravação melhor. https://open.spotify.com/album/1Tjv0ppf7HQAKs98evvuwv?si=FXN_eSaZRTiIt6K-kiOlqg Concertos para Piano Nos. 20, 21, 25 e 27 - Friedrich Gulda, com Claudio Abbado regendo a Filarmônica de Viena Estou trapaceando, porque são dois discos. Mas no Spotify e nas outras plataformas estão juntos, de modo que vale. Quando começa o Concerto Nº 20 é de arrepiar. Gulda, um dos maiores pianistas do século XX, é sensacional. Ele tem um som duro, diferente de Mitsuko Uchida e Maria João Pires, que tocam Mozart com a maior delicadeza. Nesse concerto ele usa a cadência de Beethoven, mas em outros ele toca cadências dele mesmo, que também era compositor. Foram gravados entre 1974 e 75. O 21º é o mais conhecido. O tal do "Elvira Madigan". É plácido e cantante. O 25º é uma espécie de concerto "heróico", como seriam os de Beethoven, posteriormente. E o 27º é de uma pureza que só uma criança. E chega de concerto para piano. Ou não, os concertos todos (são 27) são fenomenais. https://open.spotify.com/album/3VZmZJfweWxbvHrPJT5aUw?si=rbGaE_ziTOiuovL7QegjKw Concerto para Clarinete, Concerto para Fagote e Concerto para Flauta Nº 2 - Carbonare, Zoom, Santana e Orquestra Mozart, regida por Claudio Abbado Esse registro, de 2013, eu indico pelo Concerto para Clarinete. Escrito em 1791, ano da sua morte, é um encanto. É o Concerto para Clarinete mais conhecido e mais tocado. O movimento central é belíssimo, e os periféricos são perfeitos. O Concerto Nº 2 para Flauta, na verdade é o Conceto para Oboé adaptado. Mas funciona bem dos dois jeitos. O de Fagote é de Fagote, mesmo. Abbado usa algumas intenções e ideias do movimento HIP, mas as aplica num ambiente moderno. https://open.spotify.com/album/4EBsr6mzX96yRB3RlK4iQb?si=nv50MFZMShWvvrWw5fAj1g Sonatas Nº 11 e 14 e Fantasias - Maria João Pires Maria João Pires, pianista portuguesa respeitadíssima, não poderia faltar nessa lista. Seu Mozart é delicado, um tanto contido, legato, mas muito musical. As sonatas, a 11ª é de 1783, e é a que contém o famoso Rondó Alla Turca. A 14ª é do ano seguinte e é uma beleza. As fantasias são obras à parte. Mozart solta sua criatividade e cria obras do futuro, nem parece ele. Depois dos másculos Horowitz e Gulda, você vai querer ouvir esse toque feminino. https://open.spotify.com/album/1OkV1Pw7WSrptzajrFKsrG?si=zF7CSjEITsSwNJeHVhcUUg Grande Missa em Dó Menor - Gabrielli Consort e Paul McCreesh na regência Essa missa, de é um milagre. Toda ela é linda, aí quando você nem espera mais perfeição, vem o Et Incarnatus Est. É um quarteto da soprano com uma flauta, um oboé e um fagote de uma beleza que não tem descrição. A missa, de 1883, não foi terminada por Mozart, mas faltou pouco. A gravação do Gabrielli Consort com Paul McCreesh é uma das mais celebradas. https://open.spotify.com/album/09s4MnZ3L7iBULF6uAtXsE?si=exMUeFazQ8yAKxrd3UMz_g Réquiem - Academia de Música Antiga, com Christopher Hogwood Esta ainda é minha versão favorita do Réquiem, junto da de Giulini e da de Mackerras. Mas a de Hogwood tem uma vantagem: usa coro infantil. Quando aquelas vozes de crianças vão invadindo sua cabeça você se arrepia inteiro. Farei um post dedicado ao Réquiem, porque ele tem uma história interessante e complicada, já que Mozart morreu antes de concluí-lo, em 1791. Ele foi terminado por um aluno, Franz Xavier Süssmayr, que, na minha opinião, fez um ótimo trabalho. Nesse CD, de 1984, eles usam um Amem fugado, no final da Lacrimosa, que tinha sido recentemente encontrado e que eles atribuíram ao Réquiem. E ainda tem minha soprano favorita, Emma Kirkby. https://open.spotify.com/album/5Ext8hogDD2WFmUI8mStcz?si=FTmlBZt5Sn-z2bSy2V1Omw Sinfonias Nos. 40 e 41 "Jupiter" - Orquestra de Câmara de Praga, sob Charles Mackerras Essas gravações de Mackerras, com cravo, de 1986, não poderiam faltar. Aliás, não poderiam faltar sinfonias de Mozart. E essas duas, compostas quase juntas, em 1788, são as últimas e mais elaboradas. A 40 é conhecidíssima e bela. A 41 é um titã, por isso recebeu um nome (que não foi dado por Mozart) tão grandioso. Elas avançam na direção de Beethoven e do romantismo, embora ainda faltassem alguns anos para o romantismo se consolidar. https://open.spotify.com/album/5x1RJ2nJv7bL8AzXEG4NcC?si=b_8nnNPNTmSC4ldMbWu47w Conheça essas obras, meu jovem, e estará bem encaminhado na obra de Mozart. Acrescente as óperas, principalmente: As Bodas de Fígaro, Don Giovanni e A Flauta Mágica e será um conhecedor respeitável do compositor. Comente aí o que achou. Tem outras obras e gravações que você acha essenciais? E veja nossas famosas listas: - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - 10 Discos para Entender Beethoven E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos - Stravinsky - A Sagração da Primavera

Esta peça, composta em 2018, trata de uma mulher que é abusada pelo seu homem. Em inglês, usam-se diversos significados para a palavra que soa como wonder, mas que aparece em grafias diferentes. Vou deixá-los com duas gravações de Silvia Machete (uma gravação e um remix, de fato) e a original dos Argonautas. Incluímos a tradução, mas esta não se destina a ser cantada: a música é em inglês, como não poderia deixar de ser, com seu clima de filme noir. So Many Nights So many nights I wonder / Tantas noites eu me pergunto Why go back to that Neanderthal / Por que voltar praquele Neandertal He's tall and handsome / Ele é alto e bonito He's thick and becomes / Ele é grosso e se torna Unpredictable when he drinks / Imprevisível quando bebe ​ So many nights I wander / Tantas noites eu vago Always searching for the underground / Sempre procurando pelo subsolo I stop at some bookstore / Eu paro numa livraria I leaf through some full score / Eu folheio uma partitura Of a symphony I'll never hear / De uma sinfonia que nunca vou ouvir ​ I have a vulture inside my heart / Eu tenho um urubu dentro do coração And its fascinating flight / E seu voo fascinante Doesn't indicate that that's an ugly bird / Não indica que é um passaro feio At all / Não mesmo ​ I keep feeling sorry now and then / Eu fico me sentindo mal aqui e acolá When everything’s okay / Quando está tudo bem Then again, perhaps I will prevail / Mas talvez eu vá prevalecer Deus ex machina from a crane / Deus ex machina, de um guindaste Will come down and put the / Vai descer e por o Vulture to sleep / Urubu para dormir ​ So many nights I'm under / Tantas noites eu estou em baixo But tonight I'll be beyond the ground / Mas hoje eu vou estar acima do chão Beyond the sky / Além do céu I'll be on the moon / Eu vou estar na lua Hearing symphonies from beyond / Ouvindo sinfonias do além And maybe one day I’ll be expected to stay / E talvez um dia seja esperado que eu fique And say what I want to / E diga o que eu quero Say / Dizer Gravado em 2018 no estúdio Trilha Sonora, Fortaleza, Ceará Produção: Rafael Torres Arranjo: Rafael Torres Gravação: Hugo Lage e Luiz Orsano Mixagem: Luiz Orsano Outras músicas dos Argonautas? Aqui!

O concerto para violino é o que tem mais tradição depois do concerto para piano. Trata-se de uma forma: é uma obra, geralmente em três movimentos, com um violino principal e a orquestra dialogando entre si. Na verdade, como o violino é mais antigo que o piano, temos muitos concertos barrocos, como os de Tartini, Locatelli e Vivaldi. As 4 Estações são concertos para violino de Vivaldi. Com Mozart, no classicismo, o concerto para violino começou a ganhar sua forma definitiva, culminando no enorme e célebre Concerto para Violino de Beethoven. Os 10 que eu listo abaixo são realmente Top 10 na minha humilde, modesta e servil opinião. O que não impede que depois eu faça o Top 20 a 10. E depois vou falar sobre cada um individualmente. Johann Sebastian Bach (1685-1750) - Concerto Nº 2 em Mi, BWV 1042 (1723) Aí em cima temos a violinista Hilary Hahn. Acostumem-se com ela, porque eu vou indicar muita coisa dela aqui. É um fenômeno. Esse Concerto para Violino em Mi maior de Johann Sebastian Bach, de 1723, é a coisa mais linda. É extremamente conhecido, tem três movimentos e a orquestra só contém cordas. Na época era prática comum a divisão entre instrumento solista e orquestra não ser tão forte, de modo que o violino solo também toca junto ao ripieno (o conjunto completo). Os movimentos são: Allegro - o mais conhecido; Adagio (8m7s) - como uma lenta sarabanda; Allegro Assai (14m51s) - um finale alegre e belo. Gravação recomendada: Orquestra de Câmara de Los Angeles (Los Angeles Chamber Orchestra), regente: Jeffrey Kahane, violino: Hilary Hahn Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) - Concerto Nº 3, KV 216 (1775) Composto por Wolfgang Amadeus Mozart aos 19 anos, o Concerto para Violino em Sol é o terceiro de 5. Os concertos para violino de mozart são adorados, quase tanto quanto os para piano (esses, são 27). Aqui já temos uma separação bem forte entre o violino solo e os violinos do ripieno. O segundo movimento (10m40s) é uma beleza. Acho que o Papa está assistindo a esse concerto do vídeo. Tem um cardeal que não para de folhear uma revista ou iPad. Ao som de Mozart, ainda mais com Hilary Hahn e Gustavo Dudamel. Sacrilégio! Na obra temos também a inclusão dos sopros, que são muito bem utilizados pelo jovem compositor. Gravação recomendada: Orchestra Mozart, regente: Claudio Abbado, violino: Giuliano Carmignola Ludwig van Beethoven (1770-1827) - Concerto em Ré, Op. 61 (1806) O Concerto para Violino em Ré, de Ludwig van Beethoven, estabeleceu uma tradição: a partir de agora, concertos para violino poderiam ser peças longas além da conta, profundas e extremamente difíceis. O primeiro movimento tem mais de 20 min. Os outros 2 são mais curtos. E a partir daqui a orquestra cresceu. A orquestra de Beethoven é chamada de Orquestra Romântica, geralmente tem 14 primeiros violinos, 12 segundos violinos, 10 violas, 10 violoncelos, 6-8 contrabaixos; 2 flautas, 2 clarinetes, 2 oboés, 2 fagotes, 2-4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones e tímpanos. Ao longo do romantismo (Séc. XIX) e principalmente no século XX, ela foi crescendo mais ainda. O segundo movimento (25m13s) é um belíssimo Larghetto em que o lindo tema é tocado primeiro nas cordas em surdina; depois nas trompas, que é quando entra o violino solo fazendo pequenos comentários; depois no clarinete e, então, no fagote. A orquestra faz, então, em tutti (todos os instrumentos) mais uma afirmação do tema (4ª vez) e o violino solo volta para fazer. É um lindíssimo diálogo entre o solista e a orquestra que, eventualmente, desemboca no terceiro movimento (34m24s). Este é um rondó divertido. Gravação recomendada: Deutsche Kammerphilharmonie de Bremen, regência e violino: Lisa Batiashvili Félix Mendelssohn (1809-1849) - Concerto em Mi menor, Op. 64 (1844) Esse é o concerto que está no coração de todo violinista. De todos dessa lista, tem 5 que são realmente os mais gravados: Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Tchaikovsky e Sibelius. Cada um tem sua característica. O de Felix Mendelssohn é o queridinho. A melodia com que abre é tão familiar, tão bela, de uma tristeza tão bonita. Parece música judia (eu não sei por quê, já que não conheço música dos judeus, mas tem um sabor), e de fato, ele era judeu. O que deu um problemão, porque Wagner, o germânico, o considerava um forasteiro e blá blá blá. Isso evoluiu até a maior das tragédias, o Holocausto (não que Wagner, morto muito antes, tenha nada a ver, mas os nazistas usavam a música dele para propaganda e desprezavam Mendelssohn). John Williams, ao fazer a trilha sonora de "A Lista de Schindler", não citou diretamente o concerto de Mendelssohn, mas o clima geral da trilha e o uso de um violino solo (tocado por Itzhak Perlman) evocam certamente a peça. Gravação recomendada: Orquestra do Concertgebouw de Amsterdã (Concertgebouworkest), regente: Bernard Haitink, violino: Itzhak Perlman Johannes Brahms (1833 - 1897) - Concerto em Ré, Op. 77 (1878) Outro que teve problemas com Wagner, embora não pessoalmente. Acontece que os amantes da música, no final do século XIX se dividiram em duas facções. Os admiradores de Brahms (mais tradicional) e os de Wagner (mais de vanguarda). Os compositores mesmo se admiravam mutuamente, mas os fãs, foi briga feia. Farei um post ainda sobre isso. O Concerto em Ré, de Johannes Brahms não é o único aqui nessa tonalidade. Acho que tem algo a ver com a facilidade que é escrever para violino nesse tom. A penúltima corda é um ré, e a última, um sol, que é a subdominante. É dedicado ao virtuose Joseph Joachim, que escreveu a dificílima cadência. O primeiro movimento é majestoso, mesmo sendo plácido. É monumental como o de Beethoven. Aliás, no concerto de estréia foi tocado depois do de Beethoven, para desagrado de Brahms, que achava que a noite teria muito ré maior. O segundo movimento é belíssimo, anunciado pela incrível melodia do oboé. Do terceiro eu, particularmente não gosto. Muito barulhento. Mas é apropriado. Os críticos elegeram a obra como "intocável" (Wieniawsky), "concerto contra o violino" (Bülow) e acusaram de a única melodia estar com o oboé (Sarasate). Mas hoje o concerto é uma catedral, diante da qual todos se curvam. Gravação recomendada: Orquestra do Gewandhaus de Leipzig (Gewandhausorchester), regente: Riccardo Chailly, violino: Leonidas Kavakos Pyotr Tchaikovsky (1840-1893) - Concerto em Ré, Op. 35 (1878) Esse Concerto em Ré de Tchaikovsky também é muito difícil. Composto no mesmo ano do de Brahms, é outro que todo violinista de carreira grava. Extremamente agradável para o ouvinte, é de matar para o solista. De quando começa a cadência até o fim do primeiro movimento, o músico não para. Um crítico chegou a dizer que o violino não é tocado, mas "espancado até ficar roxo" (Hanslick). O segundo movimento é charmoso, melódico, carinhoso, típico de Tchaikovsky. O finale é formidável. Aqui o violinista também é usado ao extremo, e várias técnicas são empregadas. Gravação recomendada: Orquestra de Câmara Mahler (Mahler Chmaber Orchestra), regente: Daniel Harding, violino: Janine Jansen Camille Saint-Saëns (1835-1921) - Concerto Nº 3 em Lá menor, Op. 61 (1880) Camille Saint-Saëns era um garoto promissor. Mas muito promissor, mesmo. Com dois aninhos ele já manifestava evidências de ter ouvido absoluto e tirava melodias ao piano de ouvido. Um prodígio. Isso de certa forma o afetou negativamente. Porque se esperava dele um grande compositor das sinfonias e óperas mais geniais. Li em algum lugar que ele era, em termos de talento bruto, até mais impressionante que Mozart e Mendelssohn. Mas ele ficou tão marcado com essa coisa de criança prodígio que o fato é que ele nunca conseguiria suprir as expectativas do público. Ele é conhecido pela sua bela Sinfonia Nº 3, pelo Carnaval dos Animais (uma super divertida e criativa suíte de câmara) e por este concerto para violino, dentre outras coisas. Eu ainda acho que ele é injustiçado. Mais obras suas deveriam vir à tona, pois era um compositor espetacular. Mas também não dá pra dizer que ele é um compositor esquecido: ele é considerado um dos grandes. Mas são poucas as suas obras que entraram realmente no repertório tradicional. O 3º é um dos concertos favoritos dos violinistas. Eu o acho misterioso, elegante e eloquente. Por incrível que pareça, é o menos difícil dos três do compositor. Este é mais atento à estrutura e à beleza melódica do que às dificuldades técnicas. O segundo movimento (9m30s) é lindíssimo. E o terceiro (17m40s) é maravilhoso. Gravação recomendada: Orquestra De Paris (Orchestre de Paris), regente: Daniel Barenboim, violino: Itzhak Perlman Jean Sibelius (1865 - 1957) - Concerto em Ré menor, Op. 47 (1904) O finlandês Jean Sibelius é um dos mais importantes compositores, especialmente de música sinfônica. São 7 sinfonias, vários poemas sinfônicos (como Finlândia) e este Concerto para Violino. É uma obra de elevação, quase transcendental, como Sibelius sabia ser. Ele começa etéreo, como se estivéssemos no mundo do silêncio, tentando delicadamente quebrá-lo. É um concerto virtuosístico, mas sempre a serviço da música: não há exibição gratuita do violino. A cadência (8m46s) gigantesca consegue evidenciar a técnica do instrumentista sem quebrar o clima. Aos 19m30s temos o belo segundo movimento e aos 28m46s, o terceiro. Gravação recomendada: Orquestra Sinfônica da Rádio Sueca (Swedish Radio Symphony Orchestra), regente: Esa-Pekka Salonen, violino: Hilary Hahn * Mas escutem a gravação histórica de: Orquestra Philharmonia (Philharmonia Orchestra), regente: Walter Susskind, violino: Ginette Neveu Edward Elgar (1857-1934) - Concerto em Si menor, Op. 61 (1910) Feito sob encomenda do lendário violinista Fritz Kreisler, que chegou a dar uns retoques na parte do violino (era comum compositores pedirem aconselhamento técnico aos violinistas a quem a obra era dedicada, como arcadas, dedilhados etc.). Fritz nos deixou algumas gravações de vários concertos dessa lista. Mas, até onde eu sei, não desse. Compositor largamente responsável pelo renascimento da música inglesa, Edward Elgar é hoje conhecido pelas trancendentais Variações Enigma e pelas marchas Pompa e Circunstância (tem coisa mais inglesa que esse título? Parece nome de livro da Jane Austen). A primeira dessas marchas é muito usada como música de formatura, especialmente nos Estados Unidos. Seu concerto para violino é dos mais difíceis, e é altamente respeitado. Abusa de cruzamentos de corda, de cordas duplas ou triplas e cordas duplas em harmônico. O segundo movimento (17m54s) é britanicamente lindo. O terceiro movimento (aos 28m23s), longo para um finale, é o mais brilhante. Numa das primeiras gravações, Elgar regeu a Orquestra Sinfônica de Londres e o jovem Yehudi Menuhin tocou a parte solista. É de 1932. Gravação recomendada: Orquestra Sinfônica de Londres (London Symphony), regente: Colin Davis, violino: Hilary Hahn Dmitri Shostakovich (1891 - 1953) - Concerto Nº 1 em Lá menor, Op. 77 (1948) Acima, no vídeo, temos a impressionante Hilary Hahn tocando este concerto com Mariss Jansons e a Filarmônica de Berlim. Você pode achar essa gravação com melhor qualidade no app Digital Concerthall, da Filarmônica, que disponibiliza vários vídeos de concertos ao longo do século XX e XXI. Eu recomendo, mas é pago. Em Euro. Várias gravações que eu indiquei aqui são com Hilary, que, ao lado de Leonidas Kavakos é a minha violinista favorita. O Concerto Nº 1 de Dmitri Schostakovich foi dedicado ao violinista David Oistrakh, em 1948, que o estreou com Evgeny Mravinsky regendo a Filarmônica de Leningrado. Oistrakh também deu conselhos ao compositor sobre a parte técnica do insrtumento. É uma obra maravilhosa. Shostakovich escreveu pares de concertos: 2 para piano, 2 para violino e 2 para violoncelo. Sistematicamente, são considerados mais bem acabados os primeiros. Concordo, principalmente dos de violino e violoncelo. O primeiro movimento é ameaçador, crescendo aos poucos, tomando forma, daquela maneira meio industrial de Shostakovich. O segundo, Scherzo, (13m29s) foi descrito como demoníaco pelo violinista. O terceiro (19m37s), também é eloquente. É uma Passacaglia, que é uma forma em que o compositor apresenta uma linha de baixo, ou então acordes, e sobre ela faz variações. Aos 28m58s temos a longa cadência, que começa gelada e vai ganhando firmeza. O 4º movimento (34m07s) é uma Burlesque curta e dificílima. Gravação recomendada: Orquestra Sinfônica da Rádio Bávara (Bavaraian Radio Symphony Orchestra), regente: Esa-Pekka Salonen, violino: Lisa Batiashvili Por favor avise nos comentários sobe qualquer vídeo que esteja fora do ar. Ajeito na mesma hora. Gostou da lista? Comente e veja essas outras. Top 10 Sinfonias imprescindíveis Top + 10 Sinfonias imprescindíveis Top 10 Concertos para piano E confira a lista das 20 melhores orquestras do mundo.

A Editora Cyberus está com um edital para contos no estilo Retrofuturismo nas modalidades Clockpunk, Cyberpunk, Dieselpunk, Nazipunk, Sandalpunk e Stonepunk. Transcrevo: Prefácio/Apresentação: AUTOPOIESE Igor Moraes A variedade de subgêneros que se alimentam do sufixo punk revela a mente imaginativa — e a criatividade em geral pessimista — dos autores pela figura da tecnologia na vida humana, atravessando diversas fronteiras e épocas: Cyberpunk (Estados Unidos), Tupinipunk (Brasil), Silkpunk (China) são apenas alguns exemplos de como uma visão tecnológica é cada vez mais variada. A tecnologia e o pessimismo se uniram em um inconsciente social, sendo utilizado como espelho e especulação do que o futuro desconhecido nos reserva. A palavra ligada ao sufixo punk vai variando a cada narrativa, abordando as forças técnicas que guiam o cenário retratado ou a estética empregada que também conduzem a narrativa. O entendimento do gênero começa pelo seu nome. O punk foi um movimento da década de 1970 nascido como uma forma de expressão artística contracultural, trazendo a contestação, a subversão, a desconfiança que existe na sociedade. As roupas de couro rasgadas, os penteados chamativos, as correntes, os espetos e os brincos ao mesmo tempo que escandalizavam e quebravam a norma social vigente contrastavam com o cenário tecnológico avançado. Não é porque a tecnologia avançou que deixamos de ter problemas sociais, como o desemprego e a decadência econômica. O primeiro registro escrito que abriu o leque para todos os demais foi Bruce Bethke, autor americano conhecido por seu conto Cyberpunk, mas rapidamente foi acolhido aos trabalhos de outros escritores como William Gibson, que obteve destaque nesse nicho por Neuromancer – romance lançado em 1984, vencedor dos prestigiados prêmios Hugo, Nebula e Philip K. Dick. De lá para cá, essa ideia de contestação ganhou vida própria. Como na autopoiese da comunicação luhmanniana, o gênero punk se multiplicou como rede de produção de componentes e estruturas, sofrendo influências tanto internas como de demandas externas, operando de forma autorreferencial e se autorganizando em elementos difusos, com sistemas diferenciados. Traduzindo, conforme a sociedade enriquece ou empobrece, sistemas parasitários estatais se estalam ou religiões são criadas e extintas, existe a demanda de novas visões de mundo literárias, e não foi diferente na ficção científica, e não foi diferente sobre o gênero punk. Biopunk, por exemplo, é um derivado do Cyberpunk só que focado em genética, do mesmo jeito que Hopepunk mostra importância da esperança e a noção de que há ideais que valem a pena lutar em um mundo onde se pode pressentir o perigo e o caos. Conheci o trabalho do Alexander Meireles da Silva em uma introdução no livro Contos clássicos de vampiro da Editora Hedra. Na época, eu tinha quinze anos e nunca imaginei que estaria não só interagindo com ele, mas prestando essa homenagem. Quando dei essa ideia para o Maurício e para o Pedro, não imaginei que eles iam gostar, mas eles toparam sem pensar duas vezes. A série Mundo Punk que dá nome ao livro está em seu canal na internet abordando todas as diferentes modalidades, elencando suas principais diferenças dos mais abrangentes gêneros existentes. Acesse e escreva e inscreva o seu! Você tem até 31 de dezembro de 2021. Esse post se autodestruirá em 2022. https://editoracyberus.weebly.com/blog/edital-mundo-punk-1

Será possível deixar um recado profundamente perturbador com uma música? O compositor russo Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1841-1893) certamente achava que sim. Ele concebeu uma grande sinfonia, sua última, aliás, sua última obra, como uma espécie de declaração. A música na Rússia no século XIX, se formos reduzir bem ao mínimo, começa com Mikhail Glinka (obviamente houve compositores antes dele, mas ele foi o pai da música erudita com raíses, de fato, calcadas naquele país), seguido pelo Grupo dos Cinco (Mussorgsky, Balakirev, Cui, Rimsky-Korsakov e Borodin) e o que podemos chamar de compositores soltos. Anton Rubinstein, Sergei Taneyev e o próprio Tchaikovsky. Na verdade houve outros compositores que atingiram fama internacional, como Arensky ou, posteriormente Rachmaninoff e Medtner. De todos, os mais famosos foram ele e Rachmaninoff, seu protegido. O prestígio que ele tinha como compositor era sem precedentes na Rússia. E sua carreira no exterior era igualmente imponente. Sobretudo sua ópera Eugene Onegin, seus balés O Lago dos Cisnes, O Quebra-Nozes, seu 1º Concerto para Piano e suas 4 primeiras sinfonias, eram celebrados como obras primas de um compositor inspirado. O melodista Pyotr Tchaikovsky. Mas a vida dele era conturbada. Observe, a mãe dele morreu de cólera na sua adolescência. Ele noivou uma vez, mas foi abandonado quando ela descobriu que ele era homossexual. Casou com outra mulher, mas simplesmente fugiu após um mês e meio. Apaixonou-se por um dos seus alunos, que vinha a ser seu sobrinho. Acontece que ser gay no século XIX não era bom. Existem documentos que mostram que ele foi submetido a "uma corte de honra" - seria julgado por colegas, para não passar pela humilhação e exposição de ser julgado pelo Czar - por seu comportamento. O resultado do julgamento é desconhecido - uma testemunha diz que ele saiu da sala pálido e sem palavras. Existe a possibilidade de que ele tenha sido condenado a se matar. Outros acreditam que ele se matou por se sentir sufocado pela sociedade. Alguns dizem que ele não se matou. Foi tudo um acidente. Mas, como veremos, houve, no mínimo, negligência com sua saúde por parte dele mesmo. E o fato de que sofria de depressão clínica. Os fatos são os seguintes: - Ele era gay e depressivo; - Ele foi a esse julgamento; - A Sexta Sinfonia, sua última obra, tem fortes indícios de ser uma carta de despedida; - Ele dizia que queria chamar a obra de Sinfonia Programática, mas não devia revelar o programa; - Modest Tchaikovsky, seu irmão, sugeriu o título Pateticheskaya, que foi erroneamente traduzido para o francês "Pathétique", que quer dizer trágico; - Na verdade, a tradução mais correta seria Sinfonia Sentimental, ou Sinfonia Emocional; - É uma obra carregada de símbolos e conotações. É realmente uma jornada emocional; - Dias depois da estréia, em São Petersburgo, após uma ópera, foi com amigos a um restaurante e pediu um copo de água gelada; - Estavam no meio de uma epidemia de cólera (a mesma doença que havia matado sua mãe), por isso, era proibido servir água não fervida; - O garçom avisou que não tinha, mas Tchaikovsky pediu água não fervida mesmo; - Alertaram-no para não beber do copo, mas ele disse "não tenho medo de cólera", e bebeu; - Modest conta uma história um pouco diferente, que também pode ser verdade: dias antes ele havia posto água da pia num copo, para alguma finalidade, e o posto em cima da mesa. Tchaikovsky teria propositalmente bebido deste copo; - De qualquer forma, ele foi de fato ao restaurante (mas muitos estranham que lá não tivesse água fervida e nem mineral, corroborando a história de Modest); - No dia seguinte, seu irmão o encontrou acamado, com dores no estômago e diarréia; - Ele não aceitou que chamassem médicos; - 5 dias depois, em 6 de novembro de 1893, estava morto. A Sinfonia Abaixo, o maestro Lionel Bringuier regendo a Orquestra da Rádio de Frankfurt (hr-Sinfonieorchester). Repare no longo silêncio quando a música acaba. 1º Movimento - Adagio – Allegro non troppo A peça começa com esses fagotes (53s), que parecem vir do nada. A música parece ter uma centelha de vida quando entram as violas (1m14s) e então repete (1m28s). Os oboés (2m03s) e os clarinetes (2m13s) ameaçam uma ideia. Aos 2m46s a ideia vira o Tema 1, nas violas, repetido imediatamente pelas flautas (2m56s). O movimento alterna vários estados de espírito e colorações. É dado ao tema um tratamento harmônico vasto, fazendo-o cair em várias tonalidades. Aos 5m09s temos uma preparação ascendente nas cordas, e depois, o lindo Tema 2 (5m26s), nos violinos. É o trecho mais conhecido da obra, e revela o dom melodioso que Tchaikovsky tinha. O tema é ouvido mais uma vez aos 8m. O clarinete faz uma menção, como uma despedida (10m), a ele. É quando temos um corte abrupto do tímpano e da orquestra (10m58s). Entra o Desenvolvimento (10m58s), muito atormentado e contrastante. Aos 12m02s ele simplesmente entra em suspensão para tocar, nos trombones, um trecho do Réquiem Ortodoxo Russo, que diz: "E que sua alma descanse com as almas de todos os santos". Mas logo volta a tormenta. Ele desenvolve o Tema 1 até um ápice (14m), depois do qual, decresce e cresce de novo, nos momentos de culminância da obra, como se estivéssemos perdidos. Ao final ele vai ficado mais e mais silencioso até que a flauta e os violinos trazem de volta o Tema 2 (16m20s), já na recapitulação, que conduz a um breve coda (19m20s). Ao final da partitura, Tchaikovsky escreve aos músicos - morrendo. 2º Movimento - Allegro con grazia O segundo movimento é uma valsa. A ser tocada com graça. Mas tem uma coisa: é uma valsa manca. A valsa normal faz 1, 2, 3, 1, 2, 3. Essa faz 1, 2, 3, 4, 5... Falta-lhe o 6, ou o segundo 3. Seu Tema, que é tocado de cara, e o tratamento que ele recebe, são, mais uma vez, dignos do título de grande melodista de Tchaikovsky. Ela tem as partes A (21m16s) - B (23m41s) - A (25m50s). 3º Movimento - Allegro molto vivace Esse movimento (29m17s) absurdamente vivo e lúcido seria um final retumbante, a prova de que no final, as coisas ficam bem. Seu Tema (29m29s) (inteiro aos 31m01s) é triunfante e a orquestração, mais ainda. Termina tão bombasticamente que muitas vezes o público aplaude, mesmo tendo no programa escrito que tem mais um. Não é possível que não seja o final! Ele dá todas as dicas, faz todos os clichês de um finale! Tudo vai crescendo no coda (36m20s) barababam barababam pei pou pá paaaaaaam! Algumas pessoas aplaudem. Mas aí... 4º Movimento - Finale: Adagio lamentoso Um acorde agudo nas cordas (38m20s), como a ponta de um punhal. Ele vem nos lembrar dos tormentos que ouvimos lá no primeiro movimento. Já começa com o seu Tema 1 (39m40s), que é uma junção do que fazem as cordas fazem. Um movimento de ziguezague. Se você tocar só a parte do violino 1, ou só a parte da viola, não vai ouvir o tema. Ele é feito de modo que violinos 1, violinos 2, violas e violoncelos se complementem. Ainda assim, há uma sensação de ascenção. Fagotes (39m51) têm muita presença aqui. É um finale langoroso, Wagneriano, trágico, emocional. O Tema 2 (41m11s) entra de forma mais elegíaca, resignada, belamente cantante. A orquestra cresce, temos um ponto culminante (43m06s) que lembra o do 1º movimento. Mas aí os acordes fortes nas cordas voltam (43m24s). E vão ficando cada vez mais graves. A música parece agonizar. O gongo (46m46s) parece ser a sentença de que tudo se aproxima do fim. Os trombones (46m49s) fazem seu anúncio. Os baixos começam a fazer uma pulsação (47m36s), como pulsação de coração, mesmo. E vai morrendo. A Recepção Desconheço coisa mais trágica (é que não conheço as óperas de Wagner). Toda vez que eu escuto, fico todo arrepiado. Na estreia, Tchaikovsky regeu. Solomon Volkov testemunhou: "... quando os sons finais da sinfonia já tinham morrido e Tchaikovsky lentamente abaixou a batuta, houve um silêncio no público. Em vez de aplauso, soluços abafados vinham de várias partes do teatro. O público estava paralisado e Tchaikovsky ficou lá, parado, sua cabeça curvada." Seu irmão, Modest, diz que, depois, os aplausos foram efusivos, e que ele voltou ao palco muitas vezes. Nunca ouviria performance tão aplaudida desta sinfonia, que foi muito tocada após a morte do compositor. Considerações finais A análise não é extremamente detalhada, a ideia é que você mais escute a música do que leia. E se você sentir um pouco do que eu sinto ao ouvi-la, terá valido à pena. A gravação acima é excepcional, mas o som não é de CD. Vou listar abaixo algumas gravações. Escolha uma e persista nela. Gravações Recomendadas Menção honrosa às gravações de: Ashkenazy e Orquestra Philharmonia; e Valery Gergiev com a Orquestra do Teatro Kirov. - Orquestra Nacional Russa, com Mikhail Pletnev - Se você quiser só uma interpretação dessa sinfonia, veja esta aqui. A orquestra é fenomenal, obedecendo com categoria a cada nuance do seu genial maestro. E o som, dos anos 90, é excepcional. - Filarmônica de Leningrado, regida por Evgeny Mravinsky - A gravação clássica. A que todo mundo tem em vinil, CD, o que seja. Gravada nos anos 60, seu som até que é bom, mas a interpretação é o que importa. Os músicos da Filarmônica se deixam carregar pelos sentimentos, às vezes beirando perder o controle. - Filarmônica de Berlim, regida por Herbert von Karajan - Essa versão, de 1976 mostra Karajan no seu melhor repertório. A Filarmônica está incrível. É uma versão um tanto fria, que não se permite arroubos, mas o toque é impecável. - Sinfônica de Chicago, sob Claudio Abbado - Das gravações de Abbado, essa, de 1986 é a que mostra mais seu controle (alguns o acusam de excesso de controle, mas eu não acho, não). Ele cuida de cada crescendo, decrescendo, cada vírgula da música. - Filarmônica Tcheca, regida por Semyon Bychkov - Em 2015, esse genial maestro fez esse registro com a grande orquestra Tcheca. O som, o regente e a orquestra perfeitos. Dão uma aula de leitura. Bychkov é considerado uma promessa que não decolou. Mas ele é um dos regentes mais importantes da atualidade, como é que não decolou? Porque nunca foi o titular da Sinfônica de Londres, Concertgebouw ou Filarmônicas de Viena e Berlim? É melhor que muitos que o foram. - Sinfônica da Rádio Bávara, regida por Mariss Jansons - Nessa gravação de 2018, Jansons e sua orquestra provam que estavam no auge da sua arte. Onde permaneceram até sua morte, em 2019. É um dos meus regentes favoritos. A orquestra talvez seja a melhor do mundo (é que eu adoro). Eles tocam com muita efervecência e ardência, o oposto da relativa frieza de Karajan. Para mim, é a gravação definitiva. Me diz o que achou, comenta aí em baixo e curte no coraçãozinho. Se você chegou até aqui, parabéns pela persistência! Tomara que tenha gostado. E veja nossas famosas listas: - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - As 20 Melhores Orquestras do Mundo E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos

Composto em 1894, o Prélude à l'Après-Midi d'un Faune é uma obra orquestral, espécie de poema sinfônico, de Claude Achille Debussy (1862-1918). Com 10 minutos de duração, ele abriu o caminho para a música moderna. Porque, embora seja, em última instância, tonal, essa tonalidade é ambígua, por vezes escondida. É certo que ele usa acordes com nomes, o dó maior, o lá menor. Tudo isso. Mas ele não usa cadências normais. Veja, no fragmento abaixo, tocado pela flauta logo no começo da música, começa em dó sustenido e desce até um sol. Em vários momentos da peça esse tema vai se repetir (9 vezes) e sempre os acordes que o acompanham serão variados. Abaixo, a nossa hr-Sinfonieorchester (a Sinfônica de Frankfurt) sob a regência de Andrés Orozco-Estrada toca o Prélude. A verdade é que, tonalmente, essa escala cromática não diz nada. Ela não tem base tonal, é como se fosse uma melodia flutuando no ar. Lembremos que, no mesmo ano em que foi composto o prelúdio, foi escrita a 9º Sinfonia de Dvořák, "Do Novo Mundo". Que é a coisa mais tonal do mundo, calcada no Romantismo. Brahms ainda era vivo. Até a instrumentação faz rupturas. As madeiras são praticamente mais importantes do que as cordas. Estas tocam boa parte da peça com surdina. O clima é de encantamento, como nunca se tinha ouvido antes. O primeiro tema aparece na flauta, logo no começo, desacompanhada. Aos 3m52s temos, no clarinete, um segundo tema, totalmente derivado do primeiro. Ele vai nos conduzir à seção central, dominada pelas cordas. O próprio clarinete dá a deixa para o terceiro tema, nas madeiras (5m41s). As cordas assumem lindamente, sob incisos das madeiras (6m20s). O que parece com o auge do movimento vai perdendo força e ficando esparso. Um violino solo (7m16s) ainda toca o terceiro tema. Mas logo a flauta traz o primeiro tema (7m28s)e a música segue, meio sem rumo. O oboé participa, o corne inglês, os clarinetes, até que a flauta volta, sob um acorde de trêmulos nas cordas. E, com uma alusão a todos os temas a música vai acabando. Esse clima, que hoje a gente reconhece de filmes de fantasia e tudo mais, não era conhecido na época. Foi Debussy que inventou. Não inaugurava o modernismo totalmente. Mas dizia ao romantismo que o futuro se chegava. O título é porque a música se baseia em um poema de Stéphane Mallarmé homônimo, que descreve um fauno passeando no bosque, quando se depara com ninfas e náiades e fica, digamos, excitado. Ele as persegue, sem sucesso (graças a Deus) e acaba dormindo, num doce sonho erótico. Foi estreada em Paris, em 22 de dezembro de 1894, sob a regência de Gustave Doret. Existem centenas de gravações até agora. Gravações recomendadas - Claudio Abbado, com a Filarmônica de Berlim - com a flauta encantada de Emmanuel Pahud, o astro 1º flautista da Filarmônica e uma execução inspirada, além da engenharia de som muito impressionante, é uma versão imprescindível. De 2001. - Bernard Haitink, com a Orquestra do Concertgebouw, de Amsterdã - de 1986, essa gravação é espetacular. A verdade é que todas as orquestras fazem bem esse Prelúde. Mas as madeiras da Concertgebouw fazem a diferença. - Ernest Ansermet, com L'Orchestre de la Suisse Romande - à moda antiga, mas com uma boa transferência digital do som analógico de 1957, essa gravação preciosa mostra Ansermet, um gênio da batuta, em seu auge, com sua orquestra suíça. - Pierre Monteux, com a Sinfônica de Londres - Monteux era o regente francês do começo do século XX. Estreou vários balés de Stravinsky, bem como do próprio Debussy. Trata-se de uma versão de alguém que esteve lá, nos primórdios do modernismo. Essa gravação, de 1961 é obrigatória. Gostou de conhecer essa peça fantástica? Comente! E veja outras de nossas análises: Debussy - Prelúdios para Piano - Livro 1 e Livro 2 Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" Dvořák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" Rachmaninoff - Concerto para Piano Nº 2

Steve Reich (1936) e John Adams (1947), americanos, são os dois compositores mais interessantes da música minimalista (na minha modesta opinião). Estão entre os compositores mais requisitados desde os anos 60. A Filarmônica de Los Angeles e a Filarmônica de Berlim gravaram séries de CDs dedicados a Adams. Reich aparece sempre nos concertos. De 1972 a "Música para Pedaços de Madeira" mostra bem a criatividade do compositor. Eles partem do princípio que música é uma variação sonora. Se você tiver um grande acorde e, de repente, soar uma nota a mais, ela será notada melhor que as restantes. Isso porque quando a gente se acostuma com um padrão, qualquer coisa que fuja dele chama a atenção. E é aí que entra a criatividade. Com 5 músicos batendo bloquinhos de madeira, poderia soar como o caos, todo mundo tocando o que quisesse, ou como a mais organizada textura. Que é como soa. Abaixo, a Orquestra Philharmonia, com Santtu-Matias Rouvali, que além de percussionista é o maestro titular da orquestra, executa a peça. Repare na absoluta presença rítmica dos membros de percussão da Philharmonia (de Londres). Rouvali rege discretamente, um deles teria que fazê-lo, e ele é o regente titular. Reich é esperto. Ele vai adicionando um a um os bloquinhos até criar a textura desejada. Daí, com pequenas acentuações, ele cria as variações que podem ser infinitas. Mas mesmo assim, a obra poderia ser chata. Acontece que quando começa a perder o interesse ele faz que vai parar, só pra recomeçar de novo e criar uma nova textura. Não tem nenhum elemento de improviso aí. Tudo está na gigantesca partitura. É algo fenomenal, tanto a composição quanto a performance. Comente o que achou! E veja nossas famosas listas: - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - As 20 Melhores Orquestras do Mundo E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos

A nossa segunda exposição será do fotógrafo Henrique Torres. Nascido em Recife, em 1951, residente em Fortaleza desde 1961, Henrique trabalha com fotografia desde o começo dos anos 2000. Participou de importantes eventos, como o Salão de Abril (2005), Unifor Plástica (2007, 2009), deVERcidade (2005, 2006, 2007 e 2010), Encontros de Agosto (2015), VerboVer e Solar (2018); e as exposições individuais "Noturno" (2003), “Fortaleza Noturna” (2007) e “Nas esquinas” (2010). É membro fundador e ex-Presidente do Instituto da Fotografia – Ifoto. Sobre a exposição Cocó ele fala: "Cocó é um rio que corta a zona leste cidade de Fortaleza e uma grande área de seu manguezal foi transformada em Parque Ecológico. Este ensaio, em desenvolvimento há vários anos, procura mostrar as belezas naturais tão próximas de nós, fortalezenses, e como a cidade parece sempre pronta a uma lenta invasão - que cabe a nós impedir." Sem título Cat. No. 1-8 Jato de tinta e carvão sobre papel Canson 200 21x29 cm. Impressa em março/2021 ​ R$ 150,00 Sem título Cat. No. 1-11 Jato de tinta e carvão e pastel seco sobre papel Canson 200 21x29 cm. Impressa em janeiro/2021 ​ R$ 150,00 Sem título Cat. No. 1-3 Jato de tinta e carvão sobre papel Canson 200; 21x29 cm; Impressa em janeiro/2021 ​ R$ 150,00 Sem título Cat. No. 1-4 Jato de tinta e carvão sobre papel Canson 200; 21x29 cm; Impressa em janeiro/2021 ​ R$ 150,00 Sem título Cat. No. 1-10 Jato de tinta e carvão sobre papel Canson 200 21x29 cm. Impressa em janeiro/2021 ​ R$ 150,00 Sem título Cat. No. 1-13 Jato de tinta e carvão sobre papel Canson 200; 21x29 cm; Impressa em janeiro/2021 ​ R$ 150,00 Para adquiri-las entre em contato com o fotógrafo. Ele explicará como é feito o envio e tudo mais. É feita apenas uma tiragem de cada foto. No site, você pode ver outras séries, e em breve postaremos mais. https://www.htorresfoto.com.br/ WhatsApp: (85) 99101-2776 (Henrique)

Inauguramos nossa galeria digital com uma exposição individual do artista Kadu Xukuru. Artista jovem que de bom grado aceitou nosso convite. Seu trabalho, calcado na técnica da colagem digital, faz uma ponte indelével e reflexiva entre passado e futuro. Entre os povos que nos deram origem e uma transformação que talvez nos espere em algum momento do tempo. Esta é a primeira exposição de nosso site. Exibir trabalhos artísticos com sejam literários ou visuais (como o documentário Amargo Rio Doce) é algo que fazemos com prazer e estamos muito felizes com o Kadu ter aceito nosso convite. Abaixo uma breve apresentação dele. Me chamo Kadu, trabalho como artista visual e sou originário do Povo Xukuru. Utilizo os parentes indígenas que fotografo como personagens de minhas obras, produzo colagens digitais, com uma perspectiva decolonial, onde expresso um futuro no qual nós, povos originários, estamos vivos e somos protagonistas de nossas próprias histórias. Nomeio essa proposta de #futurismoindígena e proponho o fim da colonialidade. FUTURISMO INDÍGENA Gostou? Compartilha com sua rede e comenta aqui! Mais trabalhos artísticos de colaboradores e convidados na nossa sessão Zartes!

Uma das mais ricas de todos as nove peças chamadas Bachianas Brasileiras, a 3º é um forte recado ecológico. Villa-Lobos amava profundamente as florestas, o sertão, o folclore. Aqui ele retrata os bichos da mata, assim como sua exuberância e encanto. Heitor Villa-Lobos era um compositor da corrente nacionalista brasileira. Isso não significa que ignorava o que se passava na Música Moderna do mundo. Na verdade, para ser nacionalista, você tem que estar ligado a todos os movimentos nacionalistas do mundo. E em 1917, quando o compositor Darius Milhaud veio ao Brasil para um cargo diplomático, ele apresentou a Heitor todos os avanços da música francesa de então, com Claude Debussy, Maurice Ravel, Eric Satie e outras coisas que se desenrolavam na França, como a música de Igor Stravinsky e Sergei Prokofiev. No ano seguinte, Villa conhece outro músico de renome internacional: o pianista polonês Arthur Rubinstein, de quem se tornaria amigo e admirador, dedicando-lhe o seu Rudepoêma (que o tomaria 5 anos de trabalho). Rubinstein estrearia o Rudepoêma, mas nunca o gravaria. Trata-se de uma obra de 18 minutos para piano (mas tem uma versão para piano e orquestra). Falo dele em um post dedicado. Mas o fato é que Villa-Lobos, no começo dos anos 20 estava ficando muito conhecido, como vemos por sua participação na Semana de Arte Moderna de 22. A fase seguinte, justamente na Era Vargas (1930-45) ele resolveu homenagear seu compositor favorito, Johann Sebastian Bach. E como ele o fez? Compôs 9 peças, a maioria com mais de um movimento, num estilo melódico e harmônico que lembram perfeitamente Bach. A 4ª, belíssima, tem seu primeiro tema inspirado no Thema Regium, um famoso tema utilizado por Bach na sua Oferenda Musical. Mas estamos aqui para falar das Bachianas Brasileiras Nº 3. De 1934-38, foi estreada em Nova Iorque, com Villa-Lobos regendo e José Vieira Brandão ao piano, mas só em 1947. Sim, a obra é para piano e orquestra. Mas não é concertante, ou seja, o piano não se destaca demasiado, comportando-se mais como um integrante da orquestra. Abaixo, uma interpretação da Orquestra Nacional Húngara, sob a regência de Zoltán Kocsis, que foi ele mesmo um pianista excepcional, e Jean Louis Steuerman ao piano. A gravação não está boa, a orquestra parece mal ensaiada, portanto, não desanime, procure ouvir as gravações que eu vou recomendar abaixo. A obra tem 4 movimentos e a escrita orquestral comporta: 2 Flautas 1 Flautim 2 Oboés 1 Corne Inglês 2 Clarinetes 1 Clarone (Clarinete Baixo) 2 Fagotes 1 Contrafagote 4 Trompas 2 Trompetes 4 Trombones 1 Tuba Tambores Xilofone Piano Violinos I Violinos II Violas Violoncelos Contrabaixos 1. Prelúdio (Ponteio) - Adagio (38s) Ponteio e prelúdio são a mesma coisa: o primeiro na nomeclatura brasileira, o segundo, na de Bach e dos compositores eruditos. A música começa um tanto agitada, para ser um adagio. O piano já mostra que, se não vai ser a estrela da música, vai ser o instrumento, digamos, de confiança do compositor. O primeiro tema, nas violas e no 1º fagote (1m16s) já é Bachiano, com o piano fazendo pequenos incisos como acompanhamento. Em 1m54s os violinos fazem uma melodia que vai ser importante, com o piano fazendo o primeiro tema. A atmosfera empolgante, selvagem e encantadora já aparece desde os primeiros acordes. A orquestração é o puro caos do Villa-Lobos, estranha, mas muito criativa. 2. Fantasia (Devaneio) - Allegro moderato (7m11s) Esse lindo movimento começa com acordes em crescendo da orquestra, pontuados por notas simples do piano, que vão fazendo uma bela modulação. O motivo do trompete (7m41s) e o constante diálogo entre piano e orquestra (esse é um movimento um pouco mais concertante) são a tônica dessa parte. Até que uma escala ascendente rápida do 1º clarinete (8m32s) leva a música à calma. Essa parte é dominada primeiramente pelo clarinete, as cordas fazendo uma harmonia baseada no ciclo das quintas. O piano reassume (9m09s) e vai fazendo uma progressão. O auge da música é uma explosão (10m33s) que, depois vai se acalmando. Aí tem início um belo trio (11m05s), com o corne inglês, clarone e as cordas. Esse mesmo trecho é repetido (11m38s) com uma instrumentação diferente: violoncelos, trompas e fagotes. E depois, transfigurado por toda a orquestra (12m22s), com acordes que imitam os pássaros e os sons da selva. Claro, os sons da floresta não produzem consonância, mas dissonância. 3. Ária - Modinha - Largo (13m37s) Repare na melodia da flauta, acima da do corne inglês. É como se o corne fosse ao mesmo tempo melodia principal e acompanhamento dessa cantilena da flauta. Não é a primeira vez que Villa-Lobos faz isso. A harmonia fica lindíssima na trompa, fagote e contrafagote. Aí, aos 14m18s o clarinete ataca essa belíssima melodia Bachiana sobre uma nota pedal nos contrabaixos, violoncelos e clarone. Quando o piano entra, aos 14m47s, é para fazer uma linha ascendente que vai tensionando até liberar com o belo tema das cordas (15m09s). O trombone (15m48s), com sua frase interrompida, é de uma nobreza sem dó. Começa então um desenvolvimento do tema (16m47s) nas madeiras e no piano, sob acordes pontuados das cordas. Aos 18m24s temos o retorno da melodia do corne inglês, só que nas flautas e cordas, com vários contracantos remetentes ao restante do movimento. O clarinete recomeça (19m26s) com o tema do piano, aquele motivo ascendente que leva ao tema de relaxamento, antes nas cordas, agora, ao piano. O movimento tem, então um sutil final. 4. Toccata - Pica-Pau - Allegro (21m06s) Este movimento se propõe, naturalmente, a nos lembrar um pica-pau. É um alegre allegro (lembrando que allegro significa rápido, não necessariamente alegre). Para isso ele faz uso intenso do xilofone. Os metais e o piano têm uma escrita mais difícil aqui. O tema principal aparece nos violinos (21m45s), e vai aparecer diversas vezes na música. Mais uma vez temos o caos de Villa-Lobos, que é sempre um arroubo de criatividade absurda. Considerações finais As Bachianas Nº 3 não são as mais conhecidas. Veja: a Nº 2 tem um movimento que é o famoso "O Trenzinho do Caipira", a de Nº 4 é a mais bela e dolorida, seu primeiro movimento sendo conhecidíssimo (e ele ainda usa o tema de Caicó no último movimento), e a de Nº 5 é aquela cantilena para soprano acompanhada de 8 violoncelos que todo mundo sabe. Vou escrever sobre todas elas, mas resolvi começar pela de Nº 3 porque é a de que mais gosto. Ela pinta um cenário amazônico perfeito, fruto da imaginação sem limites de Villa-Lobos. Gravações recomendadas - Cristina Ortiz ao piano, com a New Philharmonia Orchestra regida por Vladimir Ashkenazy - foi a gravação com que fiquei conhecendo a obra, de forma que é minha favorita. É exuberante, passional e quase extravagante, como deveria. É de 1977. - Jean Louis Steuerman, com a OSESP (Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo), regida por Roberto Minczuk - é o mesmo pianista do vídeo, mas dessa vez com um acompanhamento mais luxuoso e um som gravado mais preciso. É de 2005. Imperdível! - José Feghali, com a Sinfônica de Nashville, regida por Kenneth Schermerhorn - uma das mais importantes gravações integrais das Bachianas, com o pianista brasileiro José Feghali na 3ª. O som não é muito bom, mas a interpretação é apropriada. De 2005. - Jorge Federico Ozorio, com a Royal Philharmonic Orchestra, regida por Enrique Bátiz - essa também é uma das mais importantes integrais das Bachianas (a melhor mesmo é da OSESP com Minczuk). Tem mais personalidade do que a de Feghali/Schemerhorn. De 1987. - Manoel Braune, com a Orquestra da Rádio Francesa, sob regência de Heitor Villa-Lobos - se o som não fosse tão antigo (é dos anos 50) seria minha versão favorita, porque é bem selvagem, mas sem deixar de ser musical. O próprio Villa regendo é maravilhoso. Gostou de conhecer essa Bachiana Brasileira? Ou seria essas Bachianas Brasileiras? Comente! E veja nossas famosas listas: - Top 10 Maiores Pianistas do Brasil - Top 10 Sinfonias Imprescindíveis - Top 10 Sonatas que Você tem que Conhecer - As 20 Melhores Orquestras do Mundo E análises de obras: - Brahms - Sinfonia Nº 1 - Brahms - Sinfonia Nº 4 - Brahms - Concerto para Piano Nº 1 - Brahms - Concerto para Piano Nº 2 - Chopin - Os Études - Chopin - As Baladas - Beethoven - Sinfonia Nº 6 "Pastoral" - Tchaikovsky - Sinfonia Nº 6 "Pathétique" - Dvorák - Sinfonia Nº 9 "Do Novo Mundo" - Mussorgsky - Quadros de Uma Exposição - Rachmaninoff - Concerto 1 - Rachmaninoff - Concerto 2 - Rachmaninoff - Concerto 3 - Rachmaninoff - Concerto 4 - Rachmaninoff - A Ilha dos Mortos

*Este artigo foi escrito antes da morte de Nelson, que ocorreu em 01/11/2021, no Rio de Janeiro. Nossas sinceras condolências à família e aos amigos do grande músico. Nelson Freire é um senhor discreto. É famosa a resenha sobre ele que tem como título: "Pianista quer ser discreto, mas seu talento não" ("Pianist takes back seat, but his talent doesn't"). Calado, reservado e musicalmente evitador de grandes explosões sentimentais. Mas seu talento, não. Ele reúne técnica impecável, controle sobrenatural, sonoridade cósmica e uma quase completa ausência de malícia (jamais toca simplesmente para impressionar). É um pianista para pianistas, que é como a gente chama o cara que toca tão bem que o público podia ser só de pianistas, ele ainda surpreenderia. Ele até conseguia manter essa discrição sob controle até 1999, quando a Phillips lançou a caixa Great Pianists of the 20th Century e o incluiu como único brasileiro. Nelson foi um dos que mais se beneficiaram com a inclusão na coleção. Assinou um contrato com a Decca e, até hoje, lança discos quase anualmente. Pouco antes de sair na caixa da Phillips ele tocou aqui em Fortaleza. Não pude ir e não me perdoo até hoje. Mas quem foi disse que ele estava em ótima forma. Ele nasceu em Boa Esperança, MG, em 1944. Quando tinha 3 anos era capaz de reproduzir as lições de piano de sua irmã espontaneamente. Aos 4 anos de idade foi estudar com um professor uruguaio numa cidade próxima. Depois de 12 aulas o professor disse que ele não tinha mais o que lhe ensinar e sugeriu que ele fosse para o Rio ter aulas com um professor profissionalizante. A família foi para lá e ele passou a ser pupilo de Nise Obino e de Lúcia Branco. Aos 14 anos sofreu um trauma horrível. Seus pais sofreram um acidente de carro quando estavam indo levá-lo a uma aula de piano e morreram. No documentário Nelson Freire, de João Moreira Salles (2003) lê-se uma carta do seu pai sobre o futuro do menino. No mesmo documentário ficamos conhecendo um pouco mais da sua amizade com a maior lenda do piano: Martha Argerich. Ela fala ótimo português durante todo o filme, mas, no que eu percebo como um gesto de pouca delicadeza, eles legendam a parte toda. Pois bem, Nelson foi ganhando prêmios e estudando com professores importantes, como Bruno Seidlhofer, que disse que só teve três alunos realmente talentosos - Nelson Freire, Martha Argerich e Friedrich Gulda. Os discos do Nelson, eu tenho quase todos. Antes do Great Pianists, tem um disco sensacional de Villa-Lobos; os concertos de Grieg, Tchaikovsky (nº 1) e Schumann, com Rudolf Kempe e a Filarmônica de Munique; recitais de Schumann, Schubert, Chopin; música de câmara com a Martha, os concertos de Liszt com David Zinman e a Philharmonie de Dresden e um punhado de gravações ao vivo. Depois que ele assinou com a Decca vieram os Estudos e Sonatas de Chopin, assim como os Noturnos; o livro 1 de Prelúdios de Debussy; um recital de Liszt; um de Brahms; um de Bach; um de compositores brasileiros; um de encores e, talvez o mais importante: os 2 Concertos de Bramhs com a Orquestra do Gewandhaus de Leipzig regida por Riccardo Chailly (que são hoje as grandes gravações de referência desses concertos); e o Concerto Nº 5 de Beethoven com a mesma formação. Tem também um belo Concerto Nº 2 de Chopin com a Gürzenich Orchester de Colônia regida por Lionel Bringuier. Saiu também, recentemente (mais ou menos, sei lá), um CD duplo chamado Radio Days, que são gravações de obras para piano e orquestra feitas nos anos 70-80. Esse disco é espetacular. E também um disco ao vivo chamado Salzburg, que é um recital em Salzburgo para dois pianos dele com a Martha Argerich do qual saem faíscas. Pode-se dizer hoje que Nelson Freire gravou bastante. Nunca é o suficiente, claro. Desde pequeno eu quero ouví-lo tocando a 1ª Balada de Chopin, mas parece que é a única Balada que ele não toca. Também daria tudo para ouví-lo tocando o Livro 2 de Prelúdios de Debussy, Concertos de Mozart, mais Sonatas de Beethoven e os 3 Movimentos de Petrushka, de Stravinsky. Além de Ravel. E muito mais Rachmaninoff... Não deixe de conferir nossas listas de: Top 10 Sinfonias Top 10 Concertos para Piano Top 10 Sonatas para Piano